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Recensione FUSER: Rimozione Frequenze in Conflitto

Recensione FUSER: Rimozione Frequenze in Conflitto, Copertina Articolo

Oggi vi offriamo la recensione di FUSER: un plugin concepito per risolvere il problema della rimozione delle frequenze in conflitto.

Se sei un producer alle prime armi o un ingegnere del suono navigato, sicuramente avrai sperimentato la frustrazione di cercare di dare spazio a ogni elemento in un mix denso, rimuovendo le frequenze in conflitto. Qui entra in gioco il nuovo plugin di unmasking Fuser, creato per risolvere questo tipo di problemi dalla ben nota Mastering The Mix.

Mastering The Mix è indubbiamente uno dei players più importanti e rinomati sul mercato nello sviluppo di strumenti software che applicano la tecnologia audio più innovativa destinata al mixing e al mastering. Fuser promette di portare una chiarezza sonica tanto necessaria nei mix caotici attraverso la sua analisi e lavorazione intelligente. Identifica le frequenze in conflitto tra suoni come il kick e il basso, per poi apportare regolazioni dinamiche per far spazio a ciascuno di essi.

Il risultato? Un mix più aperto e bilanciato, dove ogni elemento brilla attraverso il proprio spazio. Gli utenti e i professionisti sono rimasti impressionati dalla velocità e dalla precisione con cui Fuser libera le tracce e apre il mix. Siamo rimasti onestamente stupiti da quanto rapidamente e precisamente sblocchi le tracce e apra un mix. Non vi è alcun dubbio che, sia i professionisti che i principianti ne possano trarre un grande beneficio, sia in termini di risultato che di rapidità nel conseguirlo.

Recensione FUSER: Rimozione Frequenze in Conflitto GUI
Recensione FUSER: Rimozione Frequenze in Conflitto – Spettrogramma

Come funziona Fuser?

Ma come fa Fuser a compiere la sua magia? Il segreto risiede nel ducking sidechain specifico delle frequenze. Si tratta di una tecnica spesso utilizzata dagli ingegneri del suono, dove una traccia abbassa momentaneamente il volume di un’altra traccia nelle aree di frequenza conflittuali.

Il problema è che il sidechaining manuale può essere estremamente noioso e lungo da impostare su più tracce e range di frequenza. Ed è qui che entra in gioco Fuser, automatizzando l’intero processo con i suoi algoritmi di analisi intelligente.

Basta inserire Fuser sulla tua traccia “domata” come basso o pads, quindi collegare la tua traccia “dominante” come kick o lead synth. Fuser analizza entrambe le tracce e identifica esattamente dove si verificano le collisioni attraverso il bagliore rosso (conflitto del canale medio) e il bagliore giallo (conflitto del canale laterale).

Ora arriva la parte interessante. Premendo il pulsante “Risolvi conflitti” Fuser attenuerà automaticamente la traccia sottomessa con ducking sidechain perfettamente su misura per creare spazio per la traccia dominante. E’ possibile perfezionare ulteriormente i risultati aggiungendo manualmente nodi o regolando i parametri, ma Fuser fa già un ottimo lavoro, sin dall’inizio.

Recensione FUSER: Rimozione Frequenze in Conflitto, MID /SIDE
Recensione FUSER: Rimozione Frequenze in Conflitto – MID/SIDE

Cassa e Basso ?

Tutti hanno difficoltà a produrre un mix pulito, specialmente nelle frequenze basse. Un modo utile per creare spazio in un mix è quello di abbassare dinamicamente una parte di basso quando suona il kick, ad esempio. La compressione sidechain è un modo per ottenere questo risultato, ma il modo più trasparente è quello di abbassare solo le frequenze che sono in conflitto, piuttosto che l’intero segnale. Tuttavia, i plugin che utilizzano questa tecnica spesso adottano un approccio generico. Fuser di Mastering The Mix consente di regolare esattamente dove si desidera pulire il proprio audio.

Per utilizzare Fuser, inserisci un’istanza sulla traccia di basso in cui desideri creare spazio, e quindi invia il suono che desideri rendere più prominente all’ingresso sidechain della cassa. Dopo alcuni secondi di ascolto, lo spettrogramma al centro mostrerà eventuali collisioni di frequenza, con aree rosse che indicano scontri nel canale centrale e gialli nel canale laterale. Puoi quindi premere un pulsante Risolvi conflitti e Fuser aggiungerà una o più bande parametriche che concentrano l’elaborazione dove è necessario.

Nel suo utilizzo più basilare, questo è tutto ciò che è necessario per apportare un miglioramento evidente all’audio senza esagerare con l’elaborazione, ma puoi approfondire e regolare le impostazioni per perfezionare i risultati.

Puoi avere fino a dieci bande, ciascuna con controlli per qualità (Q), attacco e rilascio, e dove è posizionata tra i canali centrale e laterale. Basta abbassare ulteriormente una banda per aumentare la quantità di abbassamento, che viene quindi chiaramente mostrato tramite una curva di riduzione nello spettrogramma. C’è anche un controllo di mix per aiutare a ridurre rapidamente l’elaborazione e una funzione Delta utile che ti consente di ascoltare solo le frequenze in conflitto.

L’importanza del Gain

La cosa importante perché tutto funzioni come ci si aspetta, è inserire il valori di guadano, sia della traccia che fa da trigger per far intervenire Fuser, sia quelli della traccia su cui Fuser agisce applicando i propri strumenti di EQ. Questo, perché Fuser non è in grado di rilevare dalla DAW i valori del gain delle due tracce. Nessun problema se entrambi i bus sono a Zero DB, ma se così non è si rende necessario indicare al plugin i singoli valori perché determini il proprio intervento tenendo conto della compensazione del guadagno tra la traccia dominante e quella dominata.

Recensione FUSER: Rimozione Frequenze in Conflitto – Rotazione della Fase

Oltre al superbo funzionamento del sidechaining, Fuser ha anche altri trucchi nella manica:

  • Il “Matching del guadagno di ingresso” garantisce che le tue tracce sottomesse e dominanti abbiano un volume relativo corretto per la chiarezza.
  • “Phase Analyze” imposta il rapporto di fase ideale per evitare cancellazioni durante la sovrapposizione.
  • “Creative Phase Filtering” ti consente di mirare a frequenze specifiche per gli aggiustamenti di fase.

È incredibilmente gratificante sentire tutti i pezzi individuali di un mix denso ottenere il proprio spazio e voce distinti grazie ai superpoteri di fase, guadagno e sidechaining di Fuser. Dimenticati di ritagliare spazio attraverso tonnellate di aggressivi EQ o regolazioni di compressione!

Concepito per principianti e esperti

Nonostante la tecnologia avanzata sotto il cofano, l’interfaccia di Fuser è accogliente per musicisti di tutti i livelli di esperienza. La grafica facilita la visualizzazione dei conflitti e i controlli sono intuitivi una volta compreso il flusso di lavoro di base.

Fuser può facilmente diventare un primo passo indispensabile per produttori e ingegneri quando lavorano su mix densi e master affollati. Porta chiarezza e equilibrio incomparabili a mix impegnativi attraverso il suo intelligente utilizzo del sidechaining specifico delle frequenze. L’interfaccia intuitiva rende anche facili per qualsiasi musicista applicare queste tecniche avanzate.

Affinché la nostra recensione non sia fatta di sole parole, ecco un esempio concreto di come Fuser possa migliorare il vostro audio attraverso la rimozione di frequenze in conflitto e dando ad ogni strumento la giusta scena.

FUSER OFF
FUSER ON

E rispetto a Track Spacer?


La nostra opinione è che sia Fuser che Track Spacer offrono strumenti efficaci per risolvere i conflitti di frequenza nei mix audio. Fuser si distingue per la sua analisi intelligente e la sua automazione del processo di ducking sidechain, ma entrambi brillano per la semplicità e rapidità d’uso.

I due plugin offrono feedback visivo chiaro e filtri di alta qualità che garantiscono risultati puliti. Inoltre, le funzionalità come Phase Rotate di Fuser e i controlli M/S forniscono un controllo extra e una precisione aggiuntiva. Tuttavia, configurare le impostazioni per ottenere i migliori risultati può essere complicato, e sia Fuser che Track Spacer presentano alcune limitazioni, come la velocità minima di attacco di 1ms senza lookahead.

La scelta tra i due dipende dalle preferenze personali e dalle esigenze specifiche del progetto, ma entrambi possono essere strumenti preziosi per migliorare la qualità e la chiarezza dei mix audio.

Prezzo

Fuser ha un prezzo accessibile di €58.95, incluse le tasse.

Fasi della Produzione Musicale

Fasi della Produzione Musicale

Per i nuovi arrivati della produzione musicale, conoscere le fasi del processo è essenziale. Approfondiamolo.

La creazione di una canzone o di un brano strumentale solitamente inizia con un’ ispirazione. La produzione musicale può essere definita come il processo di conversione di tale scintilla in un brano musicale a tutti gli effetti e pronto per il mercato discografico. Ogni produttore e creativo avrà la propria visione unica di questo processo, ma esiste un quadro di base che generalmente tutti seguono.

Composizione

Fasi della produzione musicale piano roll
Fasi della Produzione Musicale – Composizione

La fase di composizione è quella in cui il creativo dà vita alle idee musicali. Questo è il momento in cui interviene chi scrive il testo delle canzoni, le melodie, le armonie e le idee ritmiche. Alcuni potrebbero preferire software che consentono di scrivere gli le partiture musicali al computer spartiti, come MuseScore, o addirittura la tradizionale carta., ma, la composizione può avvenire comodamente nella tua DAW.

Puoi sfruttare al massimo gli strumenti MIDI e i controller MIDI/tastiere per mappare i tuoi accordi una volta scelta una tonalità. Puoi anche utilizzare il MIDI per creare rapidamente una traccia strumentale in Ableton Live, Logic Pro, Cubase, o qualsiasi altra DAW, senza alcuna conoscenza o formazione preliminare sulla teoria musicale.

Il processo di composizione può essere descritto come il gettare le basi per la struttura e il contenuto melodico della tua canzone o traccia. Ciò include la scrittura delle progressioni di accordi che desideri in ciascuna sezione, ad es. intro, strofa, pre-ritornello, ritornello, bridge e outro nelle tracce liriche. Alla fine di questa fase, dovresti avere un’idea chiara degli elementi principali della tua traccia.

Questo passaggio non dovrebbe coinvolgere l’aspetto tecnico, consentendo solo modifiche minime. La creazione e la sperimentazione a flusso libero dovrebbero essere l’obiettivo delle prime fasi.

Arrangiamento

Fasi della Produzione Musicale – Arrangiamento

L’arrangiamento, come la composizione, mantiene l’attenzione sulle idee creative piuttosto che sulle pratiche tecniche. Questa fase sviluppa e arricchisce le basi compositive. In genere, l’arrangiamento implica la selezione degli strumenti per una determinata traccia.

Ai produttori potrebbe essere chiesto di realizzare un arrangiamento acustico o orchestrale. In tali casi, vengono selezionati strumenti acustici o orchestrali per completare il contenuto melodico, armonico e ritmico di tali opere.

Una pratica efficace in questa fase è iniziare a costruire strati, come percussioni, armonie e contromelodie utilizzando strumenti segnaposto. Ciò ti impedirà di perdere il flusso sfogliando librerie di suoni e preimpostazioni. Successivamente potrai perfezionare la scelta del suono.

L’arrangiamento implica anche lo sviluppo della struttura centrale della traccia e il tentativo di evitare disordine e più strumenti in competizione per lo stesso spazio. Nella tua DAW, questo potrebbe portarti a includere variazioni ogni 4, 8 o 16 battute e ad evolvere determinati motivi musicali.

Alla fine di questa fase, la maggior parte se non tutte le tue idee melodiche, armoniche e ritmiche dovrebbero essere a posto, pronte per la registrazione e la progettazione del suono.

Registrazione e progettazione del suono

Fasi della Produzione Musicale – Sound Design

Se hai strumenti dal vivo a tua disposizione, ora è il momento di iniziare a registrare. Ciò può includere anche il perfezionamento delle tue performance/registrazioni di strumenti digitali, come percussioni elettroniche e sintetizzatori.

La fase di progettazione del suono implica avvicinarsi il più possibile alla perfetta rappresentazione del suono che hai nella tua testa. Farlo, di solito, comporta alcuni dei seguenti processi:

  • Sostituzione degli strumenti segnaposto con selezioni di suoni migliorate.
  • Modifiche creative, come effettuare tagli vocali o invertire l’audio nella tua DAW
  • Strumenti di modifica della correzione del tempo e dell’intonazione, come l’utilizzo del Time Stretching e del Pitch.
  • Altre modifiche correttive, come la dissolvenza rapida di tutte le regioni audio per rimuovere pop e clic.
  • L’uso dell’automazione nella tua DAW per aggiungere dinamismo a vari parametri e caratteristiche.
  • L’uso di effetti come riverbero, ritardo, distorsione ed EQ.

Alla fine di questa fase, spesso è una buona idea prepararsi per il mixaggio. Ciò potrebbe portarti a eseguire la conversione delle tue clip MIDI in file audio o addirittura a convertire le tue tracce in stem.

Mixing

Fasi della Produzione Musicale – Automazione

L’obiettivo della fase di missaggio è creare un arrangiamento equilibrato in cui ogni componente musicale abbia il proprio spazio nel mix e i suoni siano definiti all’interno di quel mix di elementi musicali. Due degli strumenti principali per raggiungere questo obiettivo sono i fader del volume e i comandi del pan. Vale la pena sottolinearli perché rappresentano gli elementi fondamentali del mixaggio.

I quadranti di panning ti aiutano a determinare l’ampiezza del tuo mix mentre posizioni i suoni a destra e a sinistra nel campo stereo. I fader del volume sono fondamentali per impostare la profondità di ciascun elemento nel tuo mix; le parti ad alto volume vengono spinte in avanti e viceversa.

Allo stesso modo, gli EQ costituiscono uno strumento chiave di mixaggio in quanto possono alterare la profondità degli strumenti aggiungendo/rimuovendo frequenze e risolvendo problemi di mascheramento.

Altri plugin come compressori e riverberi vengono spesso utilizzati nella fase di missaggio per rafforzare ulteriormente suoni diversi e aggiungere un senso di coesione al mix complessivo. Prima di passare alla fase finale, ti consigliamo di risolvere tutti i problemi sonori rimanenti e raggiungere l’equilibrio desiderato tra profondità e larghezza in tutte le tue tracce.

Mastering

La fase di mastering è il passo finale nel viaggio di una traccia o di un album. Una delle sue caratteristiche principali è aumentare il volume di un mix (tramite plugin di limitazione) in modo che raggiunga gli standard commerciali. Tuttavia, ci sono una varietà di strumenti non così ovvi utilizzati durante il mastering per perfezionare ulteriormente un mix.

Ad esempio, gli EQ vengono utilizzati per correggere eventuali squilibri di frequenza e sottili aggiunte di saturazione e ampiezza stereo aumentano la qualità del suono. Allo stesso modo, i compressori vengono spesso utilizzati per aggiungere alcuni tocchi finali di colore e coesione sonora.

Sebbene la maggior parte dei produttori da home studio realizzino il mastering delle proprie tracce in autonomia, gli ingegneri specializzati nel mastering producono i migliori risultati. Al giorno d’oggi esiste anche l’alternativa di utilizzare strumenti di mixaggio e mastering basati sull’intelligenza artificiale, come iZotope Ozone. Al termine della fase di mastering, la tua traccia è pronta per la distribuzione sulle piattaforme che preferisci.

Conclusione

Che tu sia un produttore emergente, un artista o un appassionato di musica, è molto utile conoscere le fasi del processo produttivo di una traccia che preludono la sua pubblicazione. La composizione definisce le basi e i testi di una traccia, mentre l’arrangiamento definisce gli strumenti, sviluppando così un’impalcatura più complessa ed estesa.

La registrazione e il sound design conferiscono i colori e le trame unici dei tuoi elementi musicali in linea con ciò che avevi in mente. Quindi, la miscelazione assicura che tutto sia ben bilanciato e al posto giusto. Infine, il mastering fornisce la mano finale di vernice e porta la tua traccia agli standard commerciali.

Mix in Cuffia vs Studio Monitors

Mix in Cuffia vs Studio Monitors

Mix in cuffia vs monitors da studio: quale è la soluzione migliore?

La maggior parte dei producers , ad un certo punto si trova a riflettere su questo dilemma, siano essi principianti o più esperti. Il nostro amico Giona Guidi, dj producer internazionale, ci ha aiutati nel provare a dare risposta a tale quesito

La risposta onesta è, purtroppo: dipende. Sia le cuffie che i monitor presentano alcune qualità e alcune limitazioni. Andiamo ad approfondire, quindi, i punti di forza e i limiti di ciascuna opzione, affinché possiate individuare la scelta migliore per voi.

Punti di forza degli altoparlanti

Gli altoparlanti producono onde sonore spostando le molecole d’aria nello spazio fisico della stanza. Ciò significa che comunicano il suono della musica, ma anche la sensazione fisica della musica. Sentire un kick solo con le orecchie è una sensazione differente rispetto alla percezione dell’impatto della cassa sul petto e la vibrazione delle gambe dei pantaloni. Sentire la potenza fisica e il modo in cui la fascia bassa riempie la stanza può aiutare a valutare come il nostro mix si tradurrà in un club,

Molte persone trovano più facile ottenere il giusto equilibrio musicale attraverso gli altoparlanti piuttosto che in cuffia. Ad esempio, quando impostiamo il livello delle voci in un mix utilizzando le cuffie, il bilanciamento potrebbe non tradursi bene nell’automobile o anche nell’impianto di casa. Ciò è dovuto, in parte, alla naturale interazione tra gli altoparlanti e lo spazio fisico di ascolto.

Differente percezione in cuffia rispetto ai monitor

Le onde sonore provenienti dagli altoparlanti vengono riflesse e assorbite dagli oggetti nella stanza e subiscono cambiamenti nei tempi e nella fase, fornendo al nostro cervello informazioni direzionali e di livello naturali e organiche. Ciascuna delle nostre orecchie sente l’altoparlante verso cui è puntato, oltre al suono della stanza.

Le cuffie, per contro, isolano le orecchie in modo che ogni orecchio senta solo l’uscita di un altoparlante e, quindi, solo un lato dell’immagine stereo. In altre parole, quando ascolti altoparlanti stereo, l’orecchio sinistro sente un po’ dell’altoparlante destro, ma con riflessioni, tempi e fase diversi da ciò che l’orecchio destro sente dall’altoparlante destro. Le cuffie non forniscono alcuna informazione sul canale destro all’orecchio sinistro e viceversa. Questo effetto acustico per cui ciascun orecchio sente un po’ delle informazioni dell’altoparlante opposto viene definito “crossfeed”.

Limitazioni degli altoparlanti

Lo svantaggio più evidente dell’utilizzo dei monitor è un problema pratico: gli altoparlanti sono rumorosi ed è necessario spingerli intorno agli 80 dB SPL per una rappresentazione bilanciata di tutte le frequenze. Se viviamo in un appartamento con pareti sottili, potremmo non essere in grado di far funzionare gli altoparlanti a un volume adeguato senza infastidire i vicini. Inoltre, la risposta in frequenza dei diffusori nella stanza è influenzata dall’acustica della stanza. La forma della stanza, i materiali di costruzione, il posizionamento dei diffusori e dei mobili e il grado di trattamento della stanza. Tutti questi fattori hanno un effetto sul suono dei diffusori, a differenza delle cuffie.

Mix in Cuffia vs Studio Monitors
Mix in Cuffia vs Studio Monitors

Questione (anche) di prezzo

La qualità e l’accuratezza di un monitor sono legate anche al suo costo. Sebbene cuffie professionali dal suono eccellente possano costare meno di poche centinaia di euro, la maggior parte degli altoparlanti sotto i 1000 euro (a coppia) non riprodurranno adeguatamente le basse frequenze. Molte aziende che producono diffusori economici dichiarano che i loro prodotti sono in grado di riprodurre questa gamma di frequenze ma, test alla mano, non lo fanno e ciò che sentiremo intorno ai 60 o 70 Hz potrebbe non essere sufficientemente accurato per il mixaggio o il mastering. Sebbene un software di correzione ambientale come Sound ID Reference di Sonarworks possa aiutare ad appiattire la risposta in frequenza di un sistema di altoparlanti, non può compensare l’incapacità di un piccolo altoparlante di produrre basse frequenze e non può risolvere i problemi di distorsione e fase che affliggono i monitor economici.

I punti di forza delle cuffie

Premessa: qui faremo riferimento a cuffie professionali e non ad auricolari o cuffie consumer. Il costo potrebbe non essere l’unico indicatore della qualità professionale rispetto a quella consumer, poiché molte cuffie consumer sono costosi accessori di moda. Le cuffie professionali dovrebbero fornire eccellenti qualità sonore e in genere non includono funzionalità come Bluetooth o circuiti di cancellazione del rumore.. Le cuffie professionali possono includere funzionalità come cuscinetti sostituibili, cavi intercambiabili e adattatori del jack.

Evidenziamo subito un vantaggio importante delle cuffie: possiamo ascoltarle a un volume ragionevole, senza disturbare i vicini. Le cuffie di tipo chiuso sono silenziose per le persone intorno a noi.

Gli ingegneri del mastering spesso indossano le cuffie per controllare il controllo qualità dei loro master finali perché possono rivelare dettagli non evidenti sugli altoparlanti. La chiarezza che deriva dalle cuffie aiuta a mettere sotto i riflettori i piccoli elementi del mix. come clic, pop e altre distorsioni di basso livello.

Sound ID Reference di SOnarworks, interfaccia grafica
Mix in Cuffia vs Studio Monitors

Se non abbiamo un ambiente trattato acusticamente

Se la vostra stanza ha problemi acustici, l’uso delle cuffie può mitigare tali problemi rimuovendo l’influenza della stanza sulla percezione dell’audio. Le cuffie possono anche bloccare le distrazioni come il ronzio degli elettrodomestici o il frastuono del traffico. Quando scegliamo un paio di cuffie, consideriamo che quelle aperte sul retro potrebbero non essere adatte per lavorare in un ambiente rumoroso come un bar. Le cuffie chiuse possono fornire, invece, un isolamento sufficiente per lavorare in modo produttivo in spiaggia.

Questo ci porta a considerazioni sulla mobilità: viaggio spesso e devo produrre risultati coerenti in ambienti non familiari? Usare le cuffie ci consente di lavorare con sicurezza su un sistema di monitoraggio familiare e relativamente coerente.

Le limitazioni delle cuffie

Abbiamo usato l’espressione relativamente coerente. Se portiamo le cuffie da uno studio professionale che utilizza un amplificatore per cuffie ad alta potenza a uno studio domestico con un amplificatore per cuffie sottodimensionato o un’uscita per cuffie dell’interfaccia audio, probabilmente noteremo che suonano in modo diverso.

Poiché le cuffie possono essere estremamente rivelatrici, spesso evidenziano differenze nella risposta in frequenza, nel rumore di fondo e nella precisione complessiva della catena di monitoraggio. Inoltre, ciascun modello di cuffie ha specifiche di potenza e impedenza diverse e ciascuna cuffia può reagire a uno specifico amplificatore o interfaccia per cuffie in modo profondamente diverso. La maggior parte delle cuffie funzionerà bene con qualsiasi interfaccia audio decente, mentre alcune danno il meglio di sé solo se alimentate da un amplificatore per cuffie dedicato.

Il corssfeed in cuffia

Poco sopra abbiamo detto che le cuffie suonano in modo indipendente in ciascun orecchio. Ciò significa che si perdono gli effetti naturali del crossfeed, influenzando la percezione e mescolando le decisioni relative al panning da sinistra a destra, ossia in larghezza, nonché alla profondità da davanti a dietro. Di conseguenza, il panning, l’ambiente e persino l’equalizzazione e il bilanciamento che suonano correttamente in cuffia potrebbero risultare meno coesi sugli altoparlanti. Effettuando il panning di una voce al centro su una coppia di altoparlanti, la voce viene messa di fronte, nel centro. In cuffia, la voce si trova tra le orecchie. Nessuno dei due è giusto o sbagliato, ma dovremo abituarci alla traduzione tra cuffie e altoparlanti.

In effetti, un mix effettuato solo con le cuffie potrebbe portare a decisioni discutibili durante il processo di mixaggio. Se usiamo softwares come Sound ID Reference, esso appiattirà la risposta in frequenza della maggior parte delle cuffie, mentre plugin come CanOpener forniranno un crossfeed che imita, sulle cuffie, la presentazione spaziale degli altoparlanti. Fortunatamente, l’acustica della stanza non influisce sulle cuffie, quindi è più facile correggere le anomalie di frequenza delle cuffie che correggere gli altoparlanti in una stanza. Sound ID Reference fornisce curve di correzione integrate per centinaia di modelli di cuffie, mentre ogni configurazione di altoparlanti richiede la creazione di una curva di correzione personalizzata.

La scelta delle cuffie è personale, forse anche più della scelta dei monitor. Ogni paio di cuffie fornirà un’esperienza diversa a causa delle dimensioni, della forma, dei materiali di costruzione e della filosofia di design. In definitiva dobbiamo considerare i limiti fisici delle cuffie. Le cuffie, semplicemente, non spingono l’aria come fanno gli altoparlanti, quindi non sentirai quella vibrazione fornito dagli altoparlanti, un aspetto che aiuta nella traduzione musicale.

Mix in Cuffia vs Studio Monitors: Conclusioni

Dal momento che non possiamo rispondere chiaramente quale sia la soluzione migliore, cosa si deve fare? Usare entrambi. Nel corso della vostra esperienza, troverete un processo che funziona meglio per voi. Forse lavorerete scegliendo le cuffie per motivi di chiarezza e poi finirete il mix sui monitor. Con il COVID, personalmente, ho invertito con successo il mio solito flusso di lavoro in circa 80% di cuffie, e il 20% di altoparlanti.

Potrebbero essere necessari alcuni tentativi ed errori, ma se elaborate una routine che utilizzi i punti di forza di entrambi i tipi di monitorggio, sarete meno inclini ai punti deboli di entrambi.

5 Motivi Per Cui Le Tue Produzioni Non Sono Competitive

Cosa ti impedisce di creare musica dal suono incredibile, in grado di rivaleggiare con le hit di successo? Esaminiamo, grazie al nostro amico Giona Guidi, dj producer internazionale, i 5 principali motivi per cui le tue produzioni non sono competitive.

Mixi con gli occhi, non con le orecchie

Tutti noi soffriamo di un leggero disturbo ossessivo compulsivo che ci porta ad usare gli occhi per prendere decisioni sulla produzione.

Sai di cosa parliamo, vero? Tipo, provare ad allineare perfettamente l’audio ad occhio, prendere decisioni sul volume basate su oscuri livelli di picco dei transienti o, peggio, usare i plugin semplicemente perché sono esteticamente accattivanti.

Non vogliamo dire di mixare alla cieca, ma devi imparare a dare priorità alle tue orecchie rispetto a qualsiasi cosa potresti vedere davanti ai tuoi occhi.

Gli ascoltatori non vedranno mai il tuo progetto codificato a colori sulla DAW e non vedranno mai come il tuo mix abbia così tanto senso all’interno di essa. Loro giudicheranno la tua musica esclusivamente in base a ciò che sentono, il che significa che usare le tue orecchie dovrebbe diventare la tua priorità numero uno.

5 Motivi Per Cui Le Tue Produzioni Non Sono Competitive

Pensi che al tuo mix manchi qualcosa

Quando confronti la tua musica con i produttori a cui ti ispiri, non ti senti mai alla loro altezza. Inizi a pensare “se il mio mix avesse solo quel dettaglio in più, suonerebbe benissimo”.

La verità, spesse volte, è che al tuo mix non manca quel singolo dettaglio, mancano molte cose. Questo è l’effetto del nostro cervello che cerca di risolvere e semplificare un problema molto complesso che coinvolge molte parti in movimento.

Cose come EQ, saturazione, compressione, sidechain, riverbero, guadagno, automazione, sound design, layering, scrittura di testi, ecc., non possono essere risolte da un singolo suggerimento, tecnica, strategia o concetto.

5 Motivi Per Cui Le Tue Produzioni Non Sono Competitive

Assumi ingegneri per mixare e masterizzare la tua musica

Il problema dell’esternalizzazione totale del mixaggio e del mastering non è solo il costo. È il fatto che si possa credere che qualcuno trasformerà un terribile mixdown in un disco d’oro.

Nella vita reale, non funziona così. Come artista, sei responsabile di portare a termine la produzione per il 90% del percorso. Solo allora dovresti prendere in considerazione l’assunzione di un ingegnere per aiutarti a “rifinire” il progetto.

Inoltre, lavorare con gli ingegneri significa che stai teoricamente mixando alla cieca, perché non sai come suonerà la tua traccia una volta che raggiunge la catena di mastering del tuo tecnico. Credimi, c’è un modo molto migliore per risolvere questo problema.

Suddividi in compartimenti ogni parte del processo

Hai mai notato che se hai un cattivo master, molto probabilmente è a causa di un pessimo mixdown? Ma spesso, un cattivo mixdown è dovuto a una pessima scrittura della traccia. E la pessima scrittura del brano di solito è causata da un pessimo arrangiamento.

In poche parole, il problema che stai affrontando è sempre causato da qualcosa che si è verificato prima. Allora qual è la soluzione?

Smetti di trattare le tue produzioni come se ogni parte del processo non influisse in modo drammatico sul resto della tua produzione. Non è necessario che sia così complicato. Esiste un modo molto più sostenibile di guardare la tua musica.

5 Motivi Per Cui Le Tue Produzioni Non Sono Competitive

Non utilizzi adeguatamente le reference tracks

Le nostre orecchie hanno bisogno di essere ricalibrate di tanto in tanto. Mixare senza una traccia di riferimento è un modo infallibile per perdersi davvero nel proprio progetto. Dall’affaticamento dell’orecchio alle terribili decisioni di mixaggio, fare a meno di una traccia di riferimento significa andare incontro ad inevitabili problemi.

E mi raccomando, assicurati di non fare mai una pausa (sì, è sarcasmo): questo sottopone le tue orecchie a una forma clinica di tortura ed è spesso il motivo principale per cui i mix mancano di gain e generalmente mancano di un senso di professionalità e fattibilità commerciale .

Se non utilizzi tracce di riferimento per la composizione, il mixaggio, l’arrangiamento ed il mastering, ti aspetta un brusco risveglio.

Usare le tracce di riferimento è più facile a dirsi che a farsi, ma una volta che sai come farlo correttamente, cambierà la tua musica per sempre.

Mixare Kick e Basso In 10 Mosse

Home studio con display che mostra Cubase 11, una Gran Cassa e un Basso con indicazione su come mixare kick e basso in 10 mosse

Mixare Kick e Basso in 10 Mosse con la nostra mini guida e dominare velocemente il low end di una traccia.

Far sì che cassa e basso si completino a vicenda può essere una delle parti più difficili del processo di produzione. Abbiamo chiesto al nostro amico Giona Guidi, Dj e produttore internazionale, di creare una mini guida, basata sulla sua esperienza, per padroneggiare la fascia bassa.

Il mixaggio della fascia bassa è uno degli argomenti più richiesti e, al tempo stesso, un’area in cui molti produttori si trovano in difficoltà. Principalmente perché l’acustica della stanza e la configurazione dei diffusori o delle cuffie monitor non sono sempre ideali. Detto questo, ci sono molti modi per affrontare le frequenze sovrapposte quando si tratta di fascia bassa.

Come sempre, andare alla fonte porta i migliori risultati. Quindi proviamo prima a usare trucchi come accorciare il rilascio del basso all’interno del synth, prima di passare all’elaborazione. Accorciare il rilascio può fare un’enorme differenza, in quanto rafforza il basso e ferma il decadimento in conflitto con la cassa.

Se non abbiamo il pieno controllo sui parametri del sintetizzatore e utilizziamo un campione audio come sorgente, possono essere necessari processi più tradizionali per risolvere i problemi. A volte, un semplice equalizzatore è tutto ciò di cui abbiamo bisogno. Se ciò non aiuta, possiamo scolpire ulteriormente l’equilibrio della fascia bassa applicando il sidechain a determinate frequenze. Questo non solo aiuta a creare uno spazio vitale per la cassa, ma lascia intatte anche le armoniche superiori del basso.

La fascia bassa è il cuore della musica dance elettronica e vale la pena dedicare le ore di studio necessarie per padroneggiare questa parte della produzione. Se sistemiamo questo elemento chiave, tutto il resto all’interno della traccia andrà a posto molto più facilmente. Mixare Kick e Basso 10 passi.

Kick e Basso: 10 Mosse per mixare la fascia bassa

Passo 1

Per gettare le basi della traccia, collochiamo un kick nell’arrangiamento. A seconda delle nostre abitudini, possiamo farlo con un plug-in specifico (Big Kick, Battery, MIDI Simpler di Ableton etc.), oppure importarlo direttamente nella stesura, sotto forma di campione audio. Personalmente uso Kick 2 o, in alternativa Battery di Native Instruments nel quale ho creato alcuni drum kit personalizzati per ciascuno dei generi musicali che produco.

Schermata di Studio One 5 Professional con finestra del plug-in KICK2 di Sonic Academy

Passo 2

Ora aggiungiamo un basso synth. Uno dei miei strumenti preferiti per questo compito è Rob Papen SubBoom Bass 2, oppure Spire di Reveal Sound. Ho scelto scelto un template MIDI preso da una delle librerie di Loopmasters e caricato il preset di basso corrispondente dalla libreria. Suona già abbastanza bene. Tuttavia, il basso si sovrappone al kick in alcuni punti, quindi c’è del lavoro da fare.

Schermata di Studio One 5 Professional con finestra del plug-in Spire di Reveal Sound

Passaggio 3

Il primo e più importante passo per far suonare bene cassa e basso è trovare il giusto equilibrio tra di loro. Generalmente, nei generi di musica dance elettronica preferiamo dare la priorità al kick e mixare il basso leggermente al di sotto in termini di volume.

Schermata di Studio One 5 Professional con zoom sul mixer che mostra il livello del volume del basso inferiore a quello del kick

Passaggio 4

Uno dei modi più efficaci per mixare kick e basso è lavorare sulla tonalità di uno, finché non si muovono in sintonia. Se possibile, è sempre meglio alterare il MIDI del basso, piuttosto che re-pitchare un file audio, perché alcuni algoritmi di pitch possono introdurre artefatti indesiderati.

Passaggio 5

Proviamo ad alzare e abbassare il basso di alcuni semitoni per trovare l’incastro perfetto in relazione alla cassa. Normalmente, se il kick è più lungo e ha un tono chiaro, consiglio di accordare il basso fino a quando il kick si trova all’interno di una scala. A titolo di esempio, se ho un basso originariamente in Do ed una kick in Fa #, posso abbassarlo di un semitono per collocarlo in una scala minore di Si, che è una quinta perfetta in relazione alla cassa in Fa#. Avere accesso alla patch MIDI del basso, ci consente anche (se necessario) di accorciare la release del suono. Ciò eviterà che il decay del basso interferisca con la coda della cassa.

Schermata di Studio One 5 Professional con zoom sul piano roll che mostra note più brevi nella stesura del basso

Passaggio 6

Una volta raggiunto un giusto equilibrio tra i due elementi, è molto probabile che si renda necessario un tocco di equalizzazione. Attenuiamo le frequenze accumulate dalla cassa, solitamente intorno ai 250/400 hz, per fare spazio alle armoniche superiori del basso e che ne caratterizzano la sonorità. Eseguiamo anche un leggero boost di 2 o 3 db in corrispondenza della frequenza dominante della cassa.

Tabella di corrispondenza tra note e frequenze per la root del kick
Corrispondenza tra Note e Frequenze per la Dominante del Kick

Tabella di corrispondenza tra note e frequenze per la pressione del kick
Corrispondenza tra Note e Frequenze per la Pressione del Kick (quella che da il pugno allo stomaco)

Passaggio 7

Eseguiamo una procedura simile per il basso. Andiamo a verificare, in termini di frequenza, dove scende la nota più bassa del nostro giro di basso. Tagliando con un filtro passa-alto, andiamo ad eliminare le frequenze più basse, non necessarie, che divorano il nostro prezioso margine. Un Eq come il FabFiler Pro Q3 ci consente di ottenere rapidamente la corrispondenza tra la nota suonata più in basso e la relativa frequenza ed applicare un taglio al di sotto di essa. Ricordiate la frquenza dominante del kick di cui al precedente passaggio (quella a cui abbiamo dato 2/3 db di boost)? Personalmente sono solito bucare il basso in quella stessa frequenza con un notch del Eq.

Schermata di Studio One 5 Professional con finestra del plug-in Q3 di FabFilter che mostra il taglio con filtro passa alto al di sotto della dominante del basso

Passaggio 8

Possiamo finalizzare il tutto con la compressione sidechain che restituisce un pò di spazio al kick. Non vogliamo applicare il sidechain alle frequenze più alte del basso che ne caratterizzano la melodia, pertanto andremo a lavorare solo le sub-frequenze. Se non disponiamo di un plug-in dedicato come il Multi-Band Sidechain di Vengeance, andremo a duplicare la traccia del basso e utilizzeremo l’equalizzatore per dividerle in bande di frequenza separate. Per le sub-frequenze del basso, applicchiamo il filtro passa-basso intorno a 150 Hz, eliminando tutte le armoniche superiori. Successivamente, alziamo il taglio del filtro passa alto a 150 Hz. Otteniamo così un punto di crossover che non pregiudica la frequenza fondamentale del basso.

Schermata di Studio One 5 Professional con finestra del plug-in Q3 di FabFilter che dopo aver duplicato la traccia del basso, mostra un taglio anche sulle alte frequenze del basso intorno ai 150 Hz per poter isolare il solo low end

Passaggio 9

Le sub-frequenze di norma sono abbastanza dinamiche e potrebbero beneficiare di un limitatore che ne controlla la gamma di movimento. Applicare un range massimo di limitazione, solitamente di 2 o 3 db, dovrebbe produrre un suono naturale e controllato. Il volume di uscita è abbinato al livello, e questo ci evita di rimanere ingannati dal fatto che “più alto è meglio”.

Schermata di Studio One 5 Professional con finestra del plug-in Ozone 9 Maximizer di IZotope che determina il range in cui si muove il low end della traccia duplicata del basso che rimane controllato e pulito

Passaggio 10

La fase di mixaggio finale consiste nell’applicare la compressione sidechain al cannale duplicato con le sole frequenze sub del basso. Scegliamo la cassa come attivatore della compressione con impostazioni di attacco e rilascio brevi che aiutano il compressore a recuperare abbastanza velocemente e non influenzano le note non necessarie. Infine regoliamo il threshold abbassandolo fino ad ottenere l’effetto desiderato.

Schermata di Studio One 5 Professional con finestra del plug-in C2 di FabFilter che viene attivato dalla traccia del Kick per un effetto Sidechain che comprime il low end del basso per dare spazio alla cassa

Con la questa mini guida su come mixare kick e basso in 10 mosse, portete avere un riferimento sul procedimento da seguire. Ricordate, però, che la teoria senza molta, moltissima pratica è solo una parte dell’apprendimento.