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[Tutorial] Cosa Rende Perfetta Una Traccia Vocale?

Che si tratti di una canzone soulful degli anni ’70, di una classica canzone rock degli anni ’80 o di una popolare canzone dance elettronica di oggi, le canzoni con testi hanno una cosa in comune, indipendentemente dal genere: una traccia vocale potente ed emotiva.

In questo post esaminiamo cinque semplici modi per aiutare la tua voce a farsi notare nel modo in cui desideri.
1. Bere acqua

Potrebbe sembrare un gioco da ragazzi, ma molti cantanti spesso dimenticano di idratarsi prima di entrare in una sessione di registrazione. Rimanere idratati è di fondamentale importanza quando si tratta di esibire le proprie doti canore, sia sul palco che in una sessione di registrazione.

Bere acqua almeno venti minuti prima di prepararsi a cantare dietro un microfono. Non solo mantiene il tuo corpo sano e funzionante correttamente, ma dà al corpo il tempo per mantenere le corde vocali lubrificate e agili in modo che la tua “casella vocale” possa fare il lavoro.

2. Sorridi

Quando sorridi, i tuoi zigomi si alzano e creano uno spazio più risonante nella tua bocca. Ciò migliora la qualità tonale del tuo canto creando un tono più luminoso e più caldo, e aiuta la tua voce a risuonare, il che è spesso il motivo per cui i cantanti sorridono quando passano a un tono più alto. Ciò aiuta a individuare le note più difficili da raggiungere, determinando un tono più desiderato e rendendo più facile per l’ascoltatore ascoltare la pronuncia dei testi.

A volte, anche solo cambiando la forma della tua bocca quando canti, puoi creare alcuni strani nuovi toni nella tua voce, quindi sii creativo e provi alcune facce diverse… sorridi quando canti!


3. Mantieni il ritmo
Ci sono molte tecniche in post-produzione per aiutare un vocalist a stare in sintonia e in movimento, ma queste tecnologie non sempre valorizzano  il talento e l’energia originali di un cantante.

Il ritmo è uno degli aspetti più importanti della musica; che tu stia cantando una melodia di danza allegra o una ballata stravagante, il ritmo è l’elemento chiave. Il fan della musica media può notare quando un cantante è fuori tempo, quindi è molto importante fare del tuo meglio per rimanere in tempo con il metronomo (o in tempo con la band con cui ti esibisci) quando stai registrando la tua parte vocale per una canzone.

Una tecnica comune è quella di suonare silenziosamente il ritmo nella tua coscia o mano mentre canti per sentire fisicamente il ritmo, specialmente per i brani con ritmi complessi o sincopi.

Quando una sezione di una canzone è difficile da inchiodare, a volte aiuta rallentare il tempo e/o aumentarlo gradualmente; vai sempre dal lento al veloce quando sperimenti la tua performance su un brano.

La funzione metronomo dell’app Spire è un ottimo modo per stare in  sincronia ovunque tu sia, sia che si trovi in ​​studio a casa o lontano dalla civiltà.

Ecco un video che mostra quanto è facile impostare il tempo nell’app Spire. Impostare un metronomo nell’app Spire può avvantaggiare seriamente qualsiasi esecuzione o registrazione, ed è sempre una buona pratica anche per suonare dal vivo.

4. Canta con emozione

Niente può rendere una traccia vocale degna di essere ascoltata senza una vera passione ed emozione dietro di essa. Il cantato cadrà nel posto giusto finché c’è uno scopo e un’intenzione che sostiene il  tutto.

Ci vuole forza e partecipazione in una performance vocale. È molto facile stancarsi dopo aver cantato la stessa linea vocale più e più volte – solo i migliori cantanti sono in grado di stare nello studio per ore e ore dando ripetutamente la stessa quantità di sforzo ed emozione in ogni take.

Se hai cantato il take un paio di volte e non suona bene, fai una breve pausa per rinfrescare la tua mente. Non vale la pena registrarlo se non ha ogni centimetro di emozione per cui è stato originariamente scritto! Il che ci porta all’ultima e più importante dritta…

5. Fallo ancora e ancora

Questo è semplice matematica; più si registra, più opzioni si hanno quando si sceglie quella giusta. Certo, ci sono delle volte in cui l’atmosfera è giusta e le stelle si allineano, e sei in grado di registrare una traccia che sembra giusta al primo take (come “Billie Jean” di Michael Jackson, per esempio), ma raramente una canzone nell’industria musicale viene registrata senza prendere frammenti da più takes (o “comping” come viene chiamato).

Prova una combinazione di tecniche diverse per risultati diversi: emozioni diverse, forme della bocca, posizioni in piedi, stanze, persino l’ora del giorno possono influenzare il modo in cui suona una traccia vocale.

A volte, le anomalie vocali più strane e fantastiche trovano la loro strada nella produzione finale, quindi continua a sperimentare con la tua voce e il tuo ambiente per tirare fuori il meglio in ogni traccia vocale che registri.

[Recensione e Tutorial]: Creare Progressioni Armoniche con CAPTAIN CHORDS di Mixed in Key

Ti piacerebbe essere in grado di scrivere progressioni di accordi per le tue canzoni velocemente e facilmente? I nuovi Captain Plugins di Mixed in Key ti consentono di comporre progressioni di accordi e melodie per qualsiasi stile di musica con risultati entusiasmanti. Questi plugin includono una vasta libreria di preset per gli accordi, oppure possono essere utilizzati in combinazione con il tuo software o sintetizzatore hardware preferito.

Ecco un breve tutorial su come iniziare a utilizzare questi nuovi eccitanti plug-in.

Apri il tuo sequencer preferito, crea una traccia  strumento software / MIDI. Inserisci Captain Chords sulla traccia.

Scegli la tua tonalità

Quando viene lanciato Captain Chords, scegli la tonalità della canzone che stai per scrivere. Molti brani dance e urbani sono scritti in tonalità minore, ma se desideri dare alla tua canzone un’atmosfera allegra e felice, scrivi in ​​una tonalità maggiore.

Usa clip jam

Un modo rapido per comporre gli accordi è utilizzare la funzione Captain Play che consente di utilizzare la tastiera del computer per suonare gli accordi. Per fare ciò, clicca su Captain Play nel menu in alto. Gli accordi più comuni possono essere trovati sulla riga A-J della tastiera. Per suonare accordi più esotici, premere i pulsanti QWERTY. Prova tutta la tastiera, ci sono un sacco di accordi interessanti che si adattano alla chiave e alla scala che hai scelto di scrivere. La particolarità di Captain Chords è che ti aiuta a sentire gli accordi differenti in tempo reale, quindi puoi suonarli ritmicamente e creare l’atmosfera perfetta da te. Puoi rendere il brano più felice o triste perché hai accesso a un numero enorme di accordi a portata di mano e puoi ascoltarli premendo semplicemente un tasto del computer. Per suonare una progressione a quattro accordi, puoi premere tasti come “A, H, F, G” sulla tastiera del tuo computer e ascoltare i 4 diversi accordi che ti aiuteranno a stabilire le basi della tua canzone.

Nella visualizzazione di Verse, puoi ascoltare molte famose progressioni di accordi che hanno caratterizzato molte delle hit per degli ultimi 40 anni di storia della musica. Fai clic sul menu a discesa Chords per visualizzare l’elenco delle progressioni di accordi offerte da Captain Chords. Puoi ascoltare le progressioni di accordi semplicemente facendo clic su di esse. Tutte le selezioni degli accordi si adatteranno alla chiave e alla scala del progetto. Una volta trovata una progressione di accordi che ti piace, fai clic su OK. Questo è solo un modo veloce per iniziare. ma non è in alcun modo un sostituto per il tuo lavoro. La migliore musica viene dall’anima e devi creare qualcosa per sentirti veramente come se l’avessi creato. L’elenco delle famose progressioni di accordi è lì solo per una rapida ispirazione.

Andando avanti

Se desideri modificare uno degli accordi, fai clic sul quadrato grande con il nome dell’accordo, quindi scegliendo uno degli accordi aggiuntivi elencati sotto l’accordo principale. Di default, Captain Chords riduce automaticamente i salti tra le note. Puoi vedere alcuni possibili modi in cui un compositore potrebbe minimizzare il movimento delle mani su un pianoforte durante la riproduzione di musica; rende più semplice eseguire il tuo brano e rende la composizione più fluida scegliendo sempre la giusta inversione di accordi.

Un altro modo per attivare manualmente la progressione è di modificare l’inversione dell’accordo. È possibile selezionare la prima inversione, la seconda inversione o la triade predefinita dell’accordo. Questo può essere più interessante rispetto all’utilizzo di “Minimize Leap”. Se usi una Seconda Inversione, puoi avere una progressione davvero interessante che è più sconvolgente e inaspettata rispetto alla modalità standard

È possibile modificare l’ottava di ciascun accordo e aggiungere  Seste, Settime, None, Undicesime e Tredicesime. La complessità di ogni accordo può anche essere cambiata. Ciò significa che puoi aggiungere una nota di basso sotto l’accordo dandogli un suono più ricco aggiungendo note extra nell’ottava dei bassi che segue. Un consiglio per professionisti: se le tue melodie e i bassi hanno molte note complesse, puoi rendere i tuoi accordi più sottili, utilizzando meno complessità. Aprirà più gamme di frequenza per altri strumenti per suonare forte e chiaro.

Accordi di Passaggio

Rendi la tua progressione di accordi più complessa aggiungendo gli accordi di passaggio tra le modifiche degli accordi. Così facendo creerai l’attesa per l’accordo successivo. Per aggiungere un accordo di passaggio, fai clic sull’opzione “Split in Captain Chords” e modifica la lunghezza della corda trascinando le frecce su entrambi i lati dell’accordo. Cambia il tipo di accordo per completare i cambiamenti di accordo che precedono e seguono. In genere, gli “accordi di passaggio” sono brevi, di solito solo una battuta o anche meno.

Ritmi e lunghezze delle note

Questa è una delle caratteristiche più forti dei plugin Captain: puoi applicare ritmi diversi a ciascun elemento che crei. Captain Chords ha a disposizione  ritmi semplici o base. I ritmi di base includono l’esecuzione degli accordi su Every Offbeat, On Chord Change, On Every Beat e On Every Measure. C’è un numero di ritmi “semplici” che rendono le progressioni di accordi più interessanti. Clicca sui nomi finché non trovi quello che ti piace. La lunghezza di ogni nota può essere modificata e le opzioni vanno dalle note di Long Legato alle note brevi di 1/8 .  La musica è piena di ritmi e Captain Plugins offre quanto basta per ispirarti e iniziare, così puoi iniziare a pensare ritmicamente a come la Melodia dovrebbe suonare con la la Linea di Basso e gli Accordi. Provando diversi ritmi, puoi scoprire cosa ti ispira maggiormente e personalizzarlo. Puoi sempre modificare il ritmo nel tuo sequencer (DAW) dopo aver abbozzato l’idea originale.

Presets

C’è una vasta gamma di preset disponibili in Captain Chords. Fare clic nell’area Sound Preset per accedere ai preset; c’è una grande quantità di fantastici preset disponibili che vanno da pluck, keys, lead, pad, a stringhe e voci. Ogni suono può essere ulteriormente ottimizzato aggiungendo le impostazioni del riverbero, i ritardi, il filtro e altro ancora incorporati in Captain Chord.

Concludendo

Una volta che sei soddisfatto della progressione di accordi, trascina la clip nell’angolo in basso a destra del tuo sequencer (DAW). Se lo trascini sullo stesso canale su cui è installato Captain Chords, il plug-in riprodurrà la tua progressione. Continua a scrivere la canzone navigando nuovamente in Captain Chords e facendo clic sulle sezioni Chorus, Pre-Chorus o Drop. Puoi creare diverse progressioni per ogni parte del brano e trascinarle singolarmente nella tua DAW.

Routing MIDI

Per ulteriore flessibilità, l’uscita MIDI di Captain Chords può essere indirizzata a uno strumento VST come Nexus, Sylenth, Serum o Kontakt. Le note stesse suoneranno all’interno di Captain Chords, ma il suono verrà generato dal VST. L’output di Captain Chords può anche essere indirizzato ad una fonte analogica. Entrambe queste funzionalità sono sorprendenti, in quanto consentono ai produttori di concentrarsi sulla progettazione del suono nel loro software o strumento hardware preferito pur mantenendo la flessibilità e facilità d’uso offerte da Captain Chords.

Se disponi di un sintetizzatore hardware, puoi fare in modo che i plug-in Captain riproducano le tue note MIDI più e più volte, mentre lavori sul tuo sound design su hardware analogico. Ti consente di concentrarti sul suono invece di preoccuparti di suonare un ritmo complesso mentre modifichi il tuo synth. È una funzionalità incredibile per i sound designer.

Da questi link è possibile prendere visione dei video ufficiali della software house che spiegano (in inglese) il funzionamento del plugin e, nello specifico, il suo utilizzo in Ableton Live

Captain Plugins

Captain Plugins in Ableton Live

 

Cosa è incluso e disponibilità 

Attualmente i plugin Captain sono disponibili per MacOS; una versione per Windows sarà rilasciata nel prossimo futuro. Captain Chords può essere usato in combinazione con uno qualsiasi dei nuovi plugin Captain, incluso Captain Melody e Captain Deep. Quando apporti modifiche all’interno di Captain Chords, invia automaticamente la progressione di accordi a Captain Deep, Captain Melody e altri plugin in modo che
la composizione rimane al 100% in tonalità. I Captain Plugin richiedono che tu sia connesso a Internet quando li stai usando, tuttavia puoi usare i plugin di Captain offline per suonare le note MIDI che hai già scritto.

Disponibile presso il sito ufficiale di Mixed in key:

Prezzo: $ 79. Include Capitan Chord, Capitan Melody e Capitan Deep. Requisiti: macOS 10.10 o più recente. Una versione per la piattaforma Windows è in arrivo, ed è già inclusa nel prezzo. Chiunque attualmente abbia una licenza Mac otterrà la licenza di Windows gratuitamente.

 

[News] Corsi Online DJ Shortee Method

E’ state ufficialmente lanciato uno dei più completi piano di lezioni online per DJShortee’s Complete DJ Method  Magari molti di voi non conoscono il coach autore di questi corsi ma trattasi di una affermata dj donna che ha messo a punto un corso esaustivo che si rivolge non solo agi aspiranti dj, ma anche a coloro che sono già navigati nella professione. Il Method copre praticamente ogni area tematica, dalle apparecchiature, al set up fino a specifiche tecniche . Tutto questo consente a chi fosse interessato di combinare e comporre il proprio corso ideale in base a ciò che risulta rilevante a livello personale ed in base al livello di preparazione che già si possiede.
Il Method è un modo accessibile di prendere lezioni da un vero professionista. I corsi sono disponibili nel formato di video tutorials, disponibili sul sito di Groove3 al costo di 15$ per mese. Per questa cifra va comunque chiarito che l’utente avrà accesso all’intero catalogo di corsi proposto dal portale.  
 
Potete approfondire attraverso il Video di Presentazione e presso il sito di Groove3 

[Tutorial] Equalizzare i layers della cassa (Kick Drum)

Come naturale estensione del nostro precedente tutorial relativo alla stratificazione dei campioni di kick drum al fine di ottenere un nuovo suono che esprima il meglio di tutti i samples utilizzati, oggi andiamo a valutare con maggiore dettaglio come si deve intervenire a livello di equalizzazione per fare in modo che la stratificazione risulti efficace.

Ad ogni strato (layer)/campione deve essere dato il proprio spazio nello spettro di frequenza senza che tra essi vi siano interferenze. Se le frequenze di un certo layer si sovrappongono a quelle di un altro campione, il suono diventerà impastato e incontrollabile dinamicamente. Per raggiungere un risultato ottimale dovremo tagliare le frequenze nei punti in cui si sovrappongono i vari layers attraverso l’utilizzo di  un equalizzatore.

overlapping-frequenciesGli strati / campioni che scegliamo dovranno corrispondere alle seguenti parti della grancassa

  • Il click si colloca sopra di 1 kHz e corrisponde alla fascia alta dello spettro
  • La spinta (il corpo per intenderci)  si trova tra 100 Hz e 1 kHz e corrisponde alla regione dei medi
  • La coda siede sotto 100Hz (regione sub) e corrisponde alla fascia bassa

Dovremo applicare un equalizzatore su ciascuno degli strati e tagliare le frequenze delle regioni in cui il layer su cui stiamo operando non vogliamo risulti presente. Ciò significa che per la parte responsabile del click  si dovrebbe tagliare il volume (in termini di decibel) all’ intera regione sotto 1 kHz.  Per il corpo taglieremo tutto quello che sta sopra 1 kHz e sotto i 100 Hz mentre per la coda, tutto taglieremo sopra  i 100 Hz.
QuestI valori sono ovviamente approssimativi e variano a seconda del tipo di kick drum che desideriamo creare, ma anche in base al genere musicale e al gusto personale. L’obiettivo è quello di fare in modo che le frequenze delle varie parti non si sovrappongono tra loro.

Lo strato relativo alla fascia più bassa delle frequenze (Low End)  è ciò che conferisce il corpo fondamentale della nostra cassa. Esso si colloca sotto i 100 Hz nello spettro di frequenze, conosciuta anche come la regione sub. La regione sub è anche dove trova spazio la linea di basso. Dal momento che diversi suoni che abitano la stessa gamma di frequenze danno inesorabilmente luogo a problemi  nel mondo della produzione musicale, diventa fondamentale creare spazio anche per il basso nella regione sub. Questo di solito si traduce in una lotta tra la cassa e il basso su chi dei due si accaparra uno specifico spazio in ogni singolo istante della nostra traccia. Prima di procedere ad interventi più complessi e mirati la prima cosa da fare sarà tagliare nel layer di kick relativo alla fascia bassa tutto ciò che siede sotto i 30 Hz. Questo ci consente di pulire la fascia bassa e riservare spazio per il basso.

Nel prossimo tutorial andremo ad approfondire proprio le tecniche da adottare per far convivere la linea di basso con il nostro kick drum.

[Tutorial] Layered Kick Drum: il metodo della stratificazione

Oggi il nostro Giona Guidi ci spiega come ottenere dei suoni di Kick più corposi ed accattivanti attraverso la tecnica di layering, ossia la cosiddetta stratificazione.

La cassa è una delle componenti più importanti del vostro brano. Per questa ragione, nel mio precedente tutorial incentrato sull’organizzazione e razionalizzazione dello spazio di lavoro del proprio sequencer,  ho sottolineato che la categoria del groove ritmico (che personalmente codifico con il colore bianco) è quella che posiziono nella parte superiore della finestra di arrangiamento, proprio perché è il primo passo che compio nell’affrontare un nuovo progetto. Specialmente quando si parla di musica elettronica è molto importante che il kick drum risulti sempre presente e ben definito all’interno del nostro arrangiamento.  Una delle tecniche funzionali a tale scopo è quella di costruire il suono di kick attraverso la sovrapposizione di 2 o più suoni di cassa differenti, il layering.

Samples Master-Slave

La prima cosa da cui partire è quella che può sembrare più banale ma, credetemi, è tutt’altro che scontata: scegliere campioni di kick di ottima qualità. Come in cucina anche nella produzione di musica vale la regola ” per preparare un buon piatto bisogna usare gli ingredienti giusti”.  Se si scelgono campioni mediocri il risultato non potrà essere sicuramente ciò a cui aspiriamo anzi, c’è una seria possibilità che la stratificazione possa portare a risultati anche peggiori del singolo campione di partenza.

Kick Master

Kick Slave

Nelle librerie di suoni che troviamo in commercio possiamo trovare spesso gruppi di suoni ottenuti con il layering.  Questi campioni sono realizzati stratificando i suoni provenienti da differenti  batterie oppure registrazioni di uno stessa batteria attraverso però microfoni di varie marche e/o posizionati in modo diverso durante la ripresa (take). Sfruttando il medesimo principio possiamo sfruttare queste stesse tecniche per ottenere una cassa con maggiore corpo e timbro, magari sommando un campione di kick dotato di una punta maggiore nell’attacco ad un’altro con più corpo nelle basse frequenze.  A scanso di equivoci, tuttavia, mi preme sottolineare che il concetto di somma dei suoni è subordinato alle medesime regole del mixaggio di un dj. Quando un dj (e molti di voi lo saranno) miscela due brani agisce sull’equalizzazione dei singoli canali per ottenere un passaggio pulito in cui la sovrapposizione delle frequenze non generi distorsioni o l’impasto del suono in pista. Allo stesso modo il layering va di pari passo con opportune tecniche di compressione ed  equalizzazione che hanno lo scopo di non impastare il suono ed ottenere un risultato pulito ed efficace.

Kick Master + Slave (No Sidechain)


 

Compressione Sidechain

Partiremo quindi dal campione “master”, ossia quello che abbiamo scelto per il suo corpo nelle basse frequenze ed inseriremo un compressore con effetto sidechain posto sul campione che invece spicca per la maggiore punta nell’ attacco. La sorgente del sidechain sarà ovviamente il campione master, sul quale andremo ad aggiungere la punta. Grazie ad una adeguata regolazione dei parametri di attacco e rilascio (attack e release) del compressore potremo isolare la parte che ci interessa utilizzare e valorizzare nel secondo campione (punta) eliminando o  anche solo attenuando (in base alle regolazioni effettuate su attacco e rilascio) tutto il resto.

Sidechain Master-Slave

Esistono molteplici plugins in grado di assisterci nella realizzazione di un layered kick, alcuni di essi semplificano moltissimo questa procedura essendo stati creati appositamente per tale scopo. Tuttavia, sono qui per condividere con voi la tecnica di base che ci permette di ottenere l’obiettivo, anche in assenza di specifici plugins.

Kick Master+Slave (Sidechain)


 

Equalizzazione

Quando si interviene sulle equalizzazioni è sempre buona norma non esagerare con il boost, ossia nel pompare le basse frequenze. Tenendo presente che non esistono indicazioni valide universalmente e che tutto può avere una moderata variabilità in funzione del campione utilizzato, un lieve incremento (2/5 db) con una campanatura abbastanza larga (Q) nella zona tra gli 80 e i 120 Hz, dovrebbe valorizzare il campione master. Nel mio caso ho voluto  dare ulteriore incremento tra i 2 e i 5 KHz, per enfatizzare la punta del campione master, sebbene in questa gamma di frequenze sarà protagonista il campione slave. Un ultimo ritocco sempre piuttosto utile è quello di eliminare con un filtro passa basso tutta quella parte di spettro nella quale non c’è contenuto musicale o dove andrà a sedersi il suono del basso, contribuendo così a ripulire il mix finale. Per quanto riguarda il campione slave andremo invece a tagliare col filtro passa basso tutta la gamma sotto i 100 Hz andando così a supportare il compressore sidechain nell’eliminazione di tutto ciò che non ci interessa valorizzare di questo sample. Una curva EQ di tipo  high shelf con guadagno di circa 3/4db, preceduta da una riduzione a campana di circa 2/3 db sui 4Khz mi è servita a valorizzare le alte frequenze della punta che ci interessavano particolarmente in questo strato (layer) del kick slave.

EQ Master-Slave

Per rifinire il tutto sono andato a ridurre di 2 db il volume del campione slave per avere un bilanciamento ottimale sella somma dei miei due layers.

Kick Master + Slave (Sidechain & EQ)


 

Compressione

Quando si parla di kick drum e del relativo layering, la compressione ha un significato più artistico che tecnico visto che,  in linea generale, i campioni di kick drum non necessitano di una riduzione della gamma dinamica, scopo per i quali i compressori sono stati costruiti.  Il compressore servirà, piuttosto, ad alterare il tono, estrarre dettagli del campione o, addirittura, allungarne la coda. Assumono grande importanza quindi i parametri di attacco e di rilascio del compressore. Il controllo di attacco aiuterà a plasmare il tono del suono della cassa; se é troppo lento perderemo il transient del suono, se è troppo veloce non permetteremo al compressore di svolgere la propria funzione. Il controllo di rilascio dovrebbe essere impostato in modo tale che la riduzione del gain possa tornare a zero prima che venga suonato nuovamente.

Potete fare riferimento allo schema che allego per avere un riferimento visivo e pratico di quali frequenze maneggiare per ottenere il risultato voluto.

Bass Freq
Bass Freq

Un ringraziamento a Giona Guidi per il tutorial, a iZotope e Ableton per averci messo a disposizione il software ed i plugins utilizzati in questo tutorial.