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[News] Steinberg presenta Dorico SE software di notazione Musicale Gratuito

Steinberg ha annunciato la disponibilità di Dorico SE, una versione introduttiva del suo avanzato software di notazione musicale, che è completamente gratuito da scaricare e utilizzare. È il punto di partenza ideale per compositori e arrangiatori principianti ed è pienamente compatibile con gli altri prodotti della famiglia Dorico.

Dorico gode di una ragguardevole considerazione come software di notazione musicale e Dorico SE consente a tutti i musicisti, qualunque sia il loro budget, di accedere agli stessi potenti strumenti utilizzati dai professionisti di tutto il mondo nelle aree della musica cinematografica e televisiva, della musica da concerto, del teatro musicale, ed editoria musicale.

Dorico SE offre una serie di funzionalità uniche per un software gratuito di notazione musicale, in particolare nell’area del suono e della riproduzione, tra cui:

Modalità Play in stile sequencer, completa di editor di piano roll, editor di velocità, routing di automazione per controller MIDI e una dinamica unica che consente di modificare l’effetto di riproduzione delle marcature dinamiche scritte nella partitura.

Supporto per tutti i plug-in di strumenti ed effetti VST 3, oltre al campionatore HALion Sonic SE 3 incluso con oltre 1.000 suoni pronti per la produzione e una suite di 30 plug-in di effetti.

Un mixer audio completo, con invio e inserimento di effetti e un canale globale di effetti.

Lo stesso motore audio di alta precisione presente nella workstation audio digitale Steinberg, Cubase.

Facile esportazione di file audio in formato MP3 e WAV.

Gli stessi potenti flussi di lavoro per inserire, modificare e organizzare la musica che rendono Dorico Elements e Dorico Pro così veloci e facili da usare sono inclusi anche in Dorico SE, insieme alla sua popolare interfaccia utente a finestra singola, che mette tutto ciò di cui si ha bisogno a portata di mano e uno o due clic del mouse. Dorico SE sfoggia anche una serie completa di comandi da tastiera che consentono di passare attraverso input e modifiche.

Dorico SE può aprire progetti creati in Dorico Elements e Dorico Pro, mentre i progetti creati in altri prodotti della famiglia possono essere modificati in Dorico SE purché includano solo uno o due players. I progetti con più players possono essere comunque aperti, riprodotti e stampati.

Per aiutare i giovani compositori e arrangiatori a iniziare con l’apprendimento di Dorico SE, una serie dedicata di brevi tutorial video sono stati pubblicati su YouTube in modo da guidare i nuovi utenti passo dopo passo nel processo di creazione del loro primo progetto e padroneggiare i flussi di lavoro di base di Dorico SE .

Disponibilità e prezzi

Dorico SE è disponibile per il download dal sito Web Steinberg in modo completamente gratuito. Gli utenti di Dorico SE che in seguito desiderano passare a Dorico Elements o Dorico Pro potranno beneficiare di prezzi preferenziali e potranno trovare le ultime offerte esclusivamente nello Steinberg Online Shop.

Funzionalità chiave

• La stessa modalità di stesura automatica di Dorico Pro

• Inserimento semplice delle note tramite mouse, tastiera del computer o tastiera MIDI

• Regola in modo intelligente la notazione durante la scrittura

• Disposizione automatica delle parti strumentali

• Riproduzione – HALion Sonic SE 3 e centinaia di suoni inclusi

• Supporta strumenti virtuali VST 3 e processori di effetti (30 inclusi)

• Editor MIDI per piano roll in stile sequencer

• Simboli di accordi sofisticati, percussioni non intonate e notazione di batteria

• Musica non vietata, tuplet attraverso le stanghette, microtonalità, ecc. Gestite correttamente, senza soluzioni alternative

• Trasferimento da e verso altri programmi tramite MusicXML, MIDI, PDF, ecc.

[News] Loopmasters annuncia loopcloud 4.0

Loopmasters sta per portare la navigazione e l’auditing dei samples a un livello completamente nuovo. Con Loopcloud 4.0, gli utenti ottengono il completo ed approfondito Loop Editor, un workbench di campionamento e pattern di campionamento con la possibilità di riorganizzare, redefinire il tempo e ridimensionare singoli segmenti di qualsiasi campione, sia nella libreria che nel Loopcloud Store.

Inoltre, selezionando un determinato segmento edit, è possibile ascoltare qualsiasi altro loop o campione one-shot nella propria libreria o dal catalogo Loopmasters, che si adatti allo stesso patterno selezionato. Con la potenzialità di testare milioni di campioni prima di importarne uno nel proprio progetto, questo è un grosso passo avanti per i produttori di ogni genere musicale.

Loopcloud 4.0 verrà rilasciato nel primo trimestre del 2019

[News] Audiotent: MEtric analog bass loops

Metric è una potente raccolta di 107 loop di bassi analogici.

Tutti i campioni sono stati creati e registrati utilizzando apparecchiature analogiche per dare accesso alla fascia bassa, calda e solida di cui abbiamo bisogno per le nostre produzioni

Ciascuno dei 107 loop di basso è davvero differente l’uno dall’altro. Offre diversi modelli e design del suono

Inoltre l’utente puà addentrarsi nelle nuove tecniche di programmazione dei bassi grazie ai 47 file MIDI inclusi.

DEMO 1
DEMO 2


Il pacchetto ha un costo di 23$ e può essere acquistato dal sito di Audiotent

[News] Steinberg aggiorna Cubasis alla versione 2.7

Steinberg rilascia Cubasis 2.7, aggiungendo un gran numero di funzionalità e miglioramenti richiesti dall’utente alla sua consolidata app di produzione musicale per iPad.

Per chi non lo conoscesse Cubasis é Un sequencer multitouch semplificato per iPad indirizzato a produttori e musicisti musicali che cercano funzionalità di registrazione, editing e mixaggio mobile, combinati con usabilità e una buona facilità di utilizzo.

L’aggiornamento 2.7 vanta molte aggiunte al suo completo set di funzionalità. Sotto il cofano, Cubasis offre ora il supporto nativo per la risoluzione dell’iPad Pro 11 “e 12.9” recentemente rilasciati. Il nuovissimo Micrologue ARP, disponibile come acquisto in-app, estende il sintetizzatore analogico Micrologue incluso con un potente arpeggiatore che include 79 preset.

Piccole aggiunte come l’introduzione dell’opzione per caricare fino a tre plug-in AU MIDI per traccia o i 95 preset di livello studio offrono più strumenti per l’espressione artistica. Nuovo anche il raffinato supporto per MIDI Thru, che ora offre, secondo le note di rilascio, un’integrazione e un funzionamento senza intoppi di tastiere MIDI esterne e app Core MIDI. Molti piccoli miglioramenti sono stati apportati durante lo sviluppo di Cubasis 2.7, completandone l’esperienza musicale complessiva.

Disponibilità e prezzi

Cubasis 2.7 è disponibile come download attraverso l’App Store. Il prezzo è di 54,99 euro comprensivi di IVA tedesca. I clienti esistenti di Cubasis 2 hanno diritto a un aggiornamento gratuito a 2.7.

Steinberg offre grandi sconti su Cubasis e sul Waves Plug-in Bundle, su Micrologue ARP e sui rimanenti acquisti in-app, che termineranno il 7 gennaio 2019.

Caratteristiche chiave

• Numero illimitato di tracce audio e MIDI

• 24 ingressi e uscite fisiche assegnabili

• Motore audio a virgola mobile a 32 bit

• Risoluzione I / O audio fino a 24-bit / 96 kHz

• Supporto per iOS 32 e 64 bit

• Time-stretching e pitch-shifting in tempo reale con zplane’s élastique 3

• Sintetizzatore analogico virtuale Micrologue con 126 preset pronti all’uso

• MicroSonic con oltre 120 suoni di strumenti virtuali basati su HALion Sonic, HALiotron e Allen Morgan

• MiniSampler per creare i propri strumenti (comprende 20 strumenti di fabbrica)

• Mixer con channel strip per studio e 17 processori di effetti

• Effetto di riverbero RoomWorks SE estremamente versatile che fornisce un suono unico e professionale e un display grafico intuitivo per un feedback visivo istantaneo al minimo cambiamento dei parametri

• Plug-in effetti effetti Spin FX completamente DJ-like

• Oltre 550 loop audio MIDI e time-stretch

• Tastiera virtuale, accordi e drum pad con controllo intuitivo della ripetizione delle note

• Sample Editor e Key Editor con supporto MIDI CC

• Editor MIDI aggiornato con una gestione estremamente intuitiva, rapida e precisa per modificare le tracce MIDI e comporre la musica più facilmente che mai

• Track Duplicate

• MIDI Auto Quantize

• Automazione, MIDI CC, cambio programma e supporto dopo tocco

• Esportazione in Cubase, iCloud Drive, dischi rigidi esterni, unità flash wireless, Dropbox, SoundCloud, AudioCopy ed e-mail

• L’hardware compatibile con Core Audio e Core MIDI supporta il supporto MIDI tramite Bluetooth LE

• Supporto audio completo, supporto di Inter-App Audio e Audiobus 3 per utilizzare app compatibili come effetti insert / send e strumenti virtuali o semplicemente registrare la loro uscita audio

• Importa audio dalla libreria musicale di iTunes o dalla condivisione di file iCloud Drive o iTunes, usa AudioPaste o configura un server Wi-Fi in Cubasis

• Mixdown audio ed esportazione MIDI

• Supporto MIDI clock e MIDI Thru

[Tutorial] Alcune Regole Da Seguire Per Costruire Una Traccia Di Successo

Lo streaming ha introdotto molti cambiamenti nel modo in cui produciamo e consumiamo la musica. Tuttavia,  la base di una buona canzone non è molto diversa da dieci, venti o trenta anni fa: gli ascoltatori cercano ancora la musicalità creativa.

Una delle principali differenze è il grado di concorrenza nell’ambiente di streaming. I provider come Apple Music hanno decine di milioni di canzoni ed in uno scenario del genere la prima regola è mostrare alle persone perché dovrebbero ascoltarci e dobbiamo farlo il ​​più rapidamente e sensibilmente possibile. In una frase… 30 secondi o meno devono catturare l’attenzione del pubblico.

In una conferenza tecnologica del 2015, l’app di identificazione delle canzoni Shazam ha rivelato i dati che vengono utilizzati per prevedere con precisione entro un mese se una canzone diventerà una numero uno di Billboard negli Stati Uniti. Quasi tutte le canzoni di successo seguono lo stesso schema: convincono le persone ad estrarre i loro telefoni e identificarle entro i primi 10-20 secondi dal loro ascolto.

Essere in grado di connettersi rapidamente con gli ascoltatori è la base del modello di business di Spotify per gli artisti che condividono le loro canzoni sulla piattaforma. Una canzone deve essere riprodotta per 30 secondi per contare come un singolo stream e per remunerare l’artista. Il modo in cui una canzone inizia è sempre stato importante nel pop, ma ora sembra più cruciale che mai nella produzione musicale.

In questo articolo proveremo a delineare alcune strategie creative per iniziare una traccia in modo da attirare l’attenzione degli ascoltatori.

Creare una scena sonora

Iniziare una canzone con una registrazione sul campo o un paesaggio sonoro può trasportare gli ascoltatori in uno spazio reale o immaginario prima che la prima nota venga suonata. Pensate ad esempio a Club Tropicana degli Wham o più in generale al tono della stanza, il feedback dei microfoni e i conteggi dei batteristi. Sono alcuni esempi comuni usati nella musica rock e indie. La musica elettronica spesso impiega droni spaziali e bip per evocare immagini del futuro. Le registrazioni della natura, come l’acqua e gli uccelli, funzionano bene per calmare gli ascoltatori prima di una canzone downtempo. Si tratta di creare in termini musicali quello che nella tv e nel cinema si definisce “spoiler”, ossia anticipare ciò che il testo andrà a delineare nei primi 30 secondi. Questa strategia attira gli ascoltatori nella canzone ma i tempi della musica pop con potenziale commerciale impongono di tenere la scena sonora impostata su un massimo di 10 secondi.

Ri-campionare

Creare nuovo materiale per l’introduzione di una canzone può richiedere molto tempo. Se ci si sente bloccati in questa fase si possono utilizzare contenuti già presenti nella nostra traccia e tagliarle. Pharrell ricorre molto spesso a questo approccio. Quasi tutti i suoi più grandi successi iniziano con un ciclo di quattro count del primo beat. Ascoltate qui sotto l’esempio che è stato messo insieme per dimostrare questo concetto. Di fatto può risultare anche più eccitante di un inizio pulito ed è anche radio-friendly.

Anticipare la melodia del ritornello

Un ritornello che esploda in modo relativamente anticipato nello sviluppo della traccia è un modo infallibile per connettersi con gli ascoltatori. È possibile ascoltare questo approccio in Thunder degli Imagine Dragons. La canzone inizia dal primo secondo con la voce solista, un ritmo di batteria e una linea di basso ridotta al minimo, non c’è molto altro. Questo fa si che il ritornello esploda con il basso e la batteria, la voce chunk accattivante e più livelli vocali introdotti per fornire un tocco di anthem. Tutto questo accade nei primi 35 secondi e appena prima che la canzone raggiunga il ritornello c’è una breve pausa. E’ qui che viene riempito lo spettro delle frequenze cambiando l’energia in una costante progressione verso il picco emotivo

Meno è meglio

Non tutte le canzoni pop hanno bisogno di un alto livello di segnale per conquistare rapidamente gli ascoltatori. My Feelings di Drake dimostra come un senso di spazio e di dinamica possano risultare altrettanto accattivanti. L’introduzione presenta solo tre elementi: batteria, synth pad/bells lasciati molto indietro rispetto a ritmo e voce e, soprattutto, molto spazio negativo. Il silenzio viene utilizzato come dispositivo musicale per muoversi di pari passo con le aspettative dell’ascoltatore e intensificare l’impatto emotivo della voce che segue un ritmo stop-and-start, tenendo l’ascoltatore agganciato ad ogni nuova linea. Ogni elemento musicale ha il suo posto nello spettro delle frequenze, creando un mix che è ben bilanciato e facile da ascoltare. Non suona come la musica per le folle eppure è un successo indiscutibile

Hook strumentale prima del resto

Nelle produzioni degli ultimi anni viene data molta importanza al hook vocale. Come abbiamo potuto ascoltare nelgi esempi precedenti, gli artisti trattano l’hook  vocale come l’elemento chiave per vendere la canzone. Ma gli ascoltatori possono essere conquistati anche con strumenti memorabili che li ispirano a canticchiare o battere il loro piedino a tempo.

Un ottimo riff, synth o beat è sufficiente per guidare una canzone dall’inizio alla fine, quindi dovrebbe essere introdotta dal momento in cui gli ascoltatori premono play.

Daft Punk ha sempre fatto affidamento su hook strumentali per guidare le proprie canzoni come Get Lucky. La traccia inizia e viene definita dalla chitarra con una atmosfera disco che si ripete per tutta la canzone, senza per questo annoiare l’ascoltatore.

Se, diversamente da questo approccio, si desidera conservare un hook strumentale accattivante per rivelarlo più avanti nella canzone allora si può iniziare a introdurne una versione modificata, come  una versione acustica, per poi inserire la versione sintetica o elettrica nella strofa o nel ritornello.

Il nostro hook non dovrebbe in ogni caso spodestare e prendere il sopravvento sulla voce. Se c’è un passaggio strumentale con una rapida successione di note o un pitch bend selvaggio, meglio non inserire la voce in quel momento oppure chiedere al cantante di cantare una nota sospesa per evitare un mix disordinato.

Creare una falsa partenza

Molte canzoni catturano l’attenzione degli ascoltatori fin dall’inizio con un suono sorprendente o strano. Questo approccio richiede una scelta molto attenta dei nostri suoni. La falsa partenza dovrebbe sembrare una parte della canzone anche se è diversa per tono o stile. Bastano pochi secondi per far sì che gli ascoltatori si chiedano di cosa si tratti prima di svanire e lasciare che la musica prenda il sopravvento. Prendete come esempio Bob Seger e la sua Old Time Rock N’ Roll

Perchè sia efficace la musica che segue la falsa partenza deve essere ben fatta, Aggiungere semplicemente un suono strano a una canzone che ha ancora bisogno di lavoro non la renderà migliore. Si può poi riproporre il suono o il frammento si accordi  una o due volte durante la canzone per darle un nuovo significato e mantenere la coerenza.