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10 Consigli per Terminare le Tracce più Velocemente

10 Consigli per Terminare le Tracce più Velocemente Copertina Articolo

La produzione musicale è un processo che richiede tempo e impegno, ma ci sono modi per accelerare il processo e completare le tracce più rapidamente. Ecco i 10 consigli del nostro amico Giona Guidi, utili per aiutarti a terminare le tue tracce più velocemente e mantenere alta la qualità del tuo lavoro.

1. Puntare sulla Quantità oltre alla Qualità

Nel panorama attuale della produzione musicale, è diventato cruciale non concentrarsi solo sulla qualità, ma anche sulla quantità. Questo cambio di mentalità è motivato dalla necessità dei produttori musicali di rimanere competitivi in un mercato sempre più affollato. Produci più musica per avere maggiori possibilità di farti notare e ascoltare dal pubblico. Sperimenta con diversi generi musicali per ampliare il tuo repertorio e attrarre un pubblico più ampio. Ricorda però che la quantità non deve sacrificare la qualità; cerca sempre un equilibrio tra i due.

10 Consigli per Terminare le Tracce più Velocemente Reference Track
10 Consigli per Terminare le Tracce più Velocemente- Reference Track
2. Utilizzare Tracce di Riferimento

Le tracce di riferimento sono uno strumento prezioso per migliorare la qualità della tua musica. Utilizzale per capire meglio la direzione da prendere con la tua produzione e per garantire che rispetti gli standard che hai imposto. Le tracce di riferimento ti aiutano a ottenere un punto di partenza chiaro e possono ispirarti nel processo creativo.

3. Separare le Sessioni di Produzione e di Mixaggio

Dividere il processo di produzione musicale in sessioni separate per la produzione e il mixaggio può migliorare l’efficienza e la qualità del lavoro. Durante la produzione, concentra la tua energia sulla creazione di suoni e arrangiamenti, mentre durante il mixaggio, dedica il tempo a bilanciare e combinare i suoni in modo armonioso. Questo ti aiuterà a ottenere un risultato finale più professionale e coerente.

4. Non Temere di Sovraprodurre

Sovraprodurre può sembrare rischioso, ma può portare la tua produzione musicale a un livello superiore. Aggiungi strati aggiuntivi di suoni, effetti e texture per arricchire la tua traccia e renderla più interessante. Tuttavia, assicurati di non esagerare e mantenere sempre un equilibrio tra gli elementi della tua produzione.

5. Riutilizzare Suoni da Vecchi Progetti

Riciclare suoni da progetti precedenti può risparmiarti tempo e denaro, consentendoti di utilizzare risorse già testate e approvate. Esplora la tua libreria di progetti passati per trovare suoni che si adattino al tuo nuovo lavoro. In alternativa, cerca ispirazione nelle librerie di campioni disponibili online, come Hot Grooves, per trovare nuove idee e suoni unici.

10 Consigli per Terminare le Tracce più Velocemente DAW Templates
10 Consigli per Terminare le Tracce più Velocemente – DAW Templates
6. Creare Modelli di DAW

I modelli preimpostati nel tuo Digital Audio Workstation (DAW) possono accelerare notevolmente il processo di produzione. Personalizza modelli di produzione per adattarli alle tue esigenze specifiche e risparmia tempo su attività ripetitive. Sia che tu decida di creare i tuoi modelli o di utilizzarne di predefiniti, assicurati che siano di alta qualità e adatti al tuo stile musicale.

7. Applicare Automazioni sui Gruppi Bus

L’applicazione di automazioni sui gruppi bus può semplificare notevolmente il processo di mixaggio. Utilizza automazioni per regolare volume, panning ed effetti su più tracce contemporaneamente, risparmiando tempo e rendendo il mixaggio più efficiente. Assicurati di bilanciare correttamente le automazioni per mantenere coerenza e coesione nel suono finale della tua traccia.

8. Iniziare il Mixaggio dall’Alto

L’inizio del mixaggio con gli elementi ad alta frequenza della traccia può aiutarti a creare una base solida per il resto del processo. Inizia con strumenti come percussioni e strumenti ad alta frequenza e aggiungi gradualmente elementi a frequenza più bassa. Questo approccio ti permette di stabilire un equilibrio adeguato tra i diversi elementi della tua produzione e ottenere un suono più coeso e bilanciato.

9. Prendersi delle Pause

Non sottovalutare l’importanza di fare pause durante il processo di produzione musicale. Prenditi del tempo per rilassarti, ricaricarti e rigenerare la tua creatività. Le pause regolari ti permettono di mantenere una mentalità fresca e concentrata, evitando il burnout e migliorando la tua produttività complessiva.

10. Affrontare Ciascuna Parte Separatamente

Dividi il processo di produzione in fasi distinte, concentrandoti su ogni parte individualmente per garantire un risultato ottimale. Dalla creazione di groove, bassi e sintetizzatori alla progettazione di intro ed outro significativi, prenditi il tempo necessario per affrontare ogni aspetto della tua produzione con cura e attenzione ai dettagli. Questo approccio ti aiuterà a mantenere la chiarezza e la coerenza nella tua musica e a completare le tue tracce più velocemente e con maggiore efficacia.

Seguendo questi 10 consigli pratici, i produttori musicali possono ottimizzare il loro flusso di lavoro, accelerare il processo di produzione e ottenere risultati di alta qualità in meno tempo. Con un approccio strategico e una pianificazione oculata, è possibile portare le proprie produzioni musicali a nuovi livelli di successo e soddisfazione.

Fasi della Produzione Musicale

Fasi della Produzione Musicale

Per i nuovi arrivati della produzione musicale, conoscere le fasi del processo è essenziale. Approfondiamolo.

La creazione di una canzone o di un brano strumentale solitamente inizia con un’ ispirazione. La produzione musicale può essere definita come il processo di conversione di tale scintilla in un brano musicale a tutti gli effetti e pronto per il mercato discografico. Ogni produttore e creativo avrà la propria visione unica di questo processo, ma esiste un quadro di base che generalmente tutti seguono.

Composizione

Fasi della produzione musicale piano roll
Fasi della Produzione Musicale – Composizione

La fase di composizione è quella in cui il creativo dà vita alle idee musicali. Questo è il momento in cui interviene chi scrive il testo delle canzoni, le melodie, le armonie e le idee ritmiche. Alcuni potrebbero preferire software che consentono di scrivere gli le partiture musicali al computer spartiti, come MuseScore, o addirittura la tradizionale carta., ma, la composizione può avvenire comodamente nella tua DAW.

Puoi sfruttare al massimo gli strumenti MIDI e i controller MIDI/tastiere per mappare i tuoi accordi una volta scelta una tonalità. Puoi anche utilizzare il MIDI per creare rapidamente una traccia strumentale in Ableton Live, Logic Pro, Cubase, o qualsiasi altra DAW, senza alcuna conoscenza o formazione preliminare sulla teoria musicale.

Il processo di composizione può essere descritto come il gettare le basi per la struttura e il contenuto melodico della tua canzone o traccia. Ciò include la scrittura delle progressioni di accordi che desideri in ciascuna sezione, ad es. intro, strofa, pre-ritornello, ritornello, bridge e outro nelle tracce liriche. Alla fine di questa fase, dovresti avere un’idea chiara degli elementi principali della tua traccia.

Questo passaggio non dovrebbe coinvolgere l’aspetto tecnico, consentendo solo modifiche minime. La creazione e la sperimentazione a flusso libero dovrebbero essere l’obiettivo delle prime fasi.

Arrangiamento

Fasi della Produzione Musicale – Arrangiamento

L’arrangiamento, come la composizione, mantiene l’attenzione sulle idee creative piuttosto che sulle pratiche tecniche. Questa fase sviluppa e arricchisce le basi compositive. In genere, l’arrangiamento implica la selezione degli strumenti per una determinata traccia.

Ai produttori potrebbe essere chiesto di realizzare un arrangiamento acustico o orchestrale. In tali casi, vengono selezionati strumenti acustici o orchestrali per completare il contenuto melodico, armonico e ritmico di tali opere.

Una pratica efficace in questa fase è iniziare a costruire strati, come percussioni, armonie e contromelodie utilizzando strumenti segnaposto. Ciò ti impedirà di perdere il flusso sfogliando librerie di suoni e preimpostazioni. Successivamente potrai perfezionare la scelta del suono.

L’arrangiamento implica anche lo sviluppo della struttura centrale della traccia e il tentativo di evitare disordine e più strumenti in competizione per lo stesso spazio. Nella tua DAW, questo potrebbe portarti a includere variazioni ogni 4, 8 o 16 battute e ad evolvere determinati motivi musicali.

Alla fine di questa fase, la maggior parte se non tutte le tue idee melodiche, armoniche e ritmiche dovrebbero essere a posto, pronte per la registrazione e la progettazione del suono.

Registrazione e progettazione del suono

Fasi della Produzione Musicale – Sound Design

Se hai strumenti dal vivo a tua disposizione, ora è il momento di iniziare a registrare. Ciò può includere anche il perfezionamento delle tue performance/registrazioni di strumenti digitali, come percussioni elettroniche e sintetizzatori.

La fase di progettazione del suono implica avvicinarsi il più possibile alla perfetta rappresentazione del suono che hai nella tua testa. Farlo, di solito, comporta alcuni dei seguenti processi:

  • Sostituzione degli strumenti segnaposto con selezioni di suoni migliorate.
  • Modifiche creative, come effettuare tagli vocali o invertire l’audio nella tua DAW
  • Strumenti di modifica della correzione del tempo e dell’intonazione, come l’utilizzo del Time Stretching e del Pitch.
  • Altre modifiche correttive, come la dissolvenza rapida di tutte le regioni audio per rimuovere pop e clic.
  • L’uso dell’automazione nella tua DAW per aggiungere dinamismo a vari parametri e caratteristiche.
  • L’uso di effetti come riverbero, ritardo, distorsione ed EQ.

Alla fine di questa fase, spesso è una buona idea prepararsi per il mixaggio. Ciò potrebbe portarti a eseguire la conversione delle tue clip MIDI in file audio o addirittura a convertire le tue tracce in stem.

Mixing

Fasi della Produzione Musicale – Automazione

L’obiettivo della fase di missaggio è creare un arrangiamento equilibrato in cui ogni componente musicale abbia il proprio spazio nel mix e i suoni siano definiti all’interno di quel mix di elementi musicali. Due degli strumenti principali per raggiungere questo obiettivo sono i fader del volume e i comandi del pan. Vale la pena sottolinearli perché rappresentano gli elementi fondamentali del mixaggio.

I quadranti di panning ti aiutano a determinare l’ampiezza del tuo mix mentre posizioni i suoni a destra e a sinistra nel campo stereo. I fader del volume sono fondamentali per impostare la profondità di ciascun elemento nel tuo mix; le parti ad alto volume vengono spinte in avanti e viceversa.

Allo stesso modo, gli EQ costituiscono uno strumento chiave di mixaggio in quanto possono alterare la profondità degli strumenti aggiungendo/rimuovendo frequenze e risolvendo problemi di mascheramento.

Altri plugin come compressori e riverberi vengono spesso utilizzati nella fase di missaggio per rafforzare ulteriormente suoni diversi e aggiungere un senso di coesione al mix complessivo. Prima di passare alla fase finale, ti consigliamo di risolvere tutti i problemi sonori rimanenti e raggiungere l’equilibrio desiderato tra profondità e larghezza in tutte le tue tracce.

Mastering

La fase di mastering è il passo finale nel viaggio di una traccia o di un album. Una delle sue caratteristiche principali è aumentare il volume di un mix (tramite plugin di limitazione) in modo che raggiunga gli standard commerciali. Tuttavia, ci sono una varietà di strumenti non così ovvi utilizzati durante il mastering per perfezionare ulteriormente un mix.

Ad esempio, gli EQ vengono utilizzati per correggere eventuali squilibri di frequenza e sottili aggiunte di saturazione e ampiezza stereo aumentano la qualità del suono. Allo stesso modo, i compressori vengono spesso utilizzati per aggiungere alcuni tocchi finali di colore e coesione sonora.

Sebbene la maggior parte dei produttori da home studio realizzino il mastering delle proprie tracce in autonomia, gli ingegneri specializzati nel mastering producono i migliori risultati. Al giorno d’oggi esiste anche l’alternativa di utilizzare strumenti di mixaggio e mastering basati sull’intelligenza artificiale, come iZotope Ozone. Al termine della fase di mastering, la tua traccia è pronta per la distribuzione sulle piattaforme che preferisci.

Conclusione

Che tu sia un produttore emergente, un artista o un appassionato di musica, è molto utile conoscere le fasi del processo produttivo di una traccia che preludono la sua pubblicazione. La composizione definisce le basi e i testi di una traccia, mentre l’arrangiamento definisce gli strumenti, sviluppando così un’impalcatura più complessa ed estesa.

La registrazione e il sound design conferiscono i colori e le trame unici dei tuoi elementi musicali in linea con ciò che avevi in mente. Quindi, la miscelazione assicura che tutto sia ben bilanciato e al posto giusto. Infine, il mastering fornisce la mano finale di vernice e porta la tua traccia agli standard commerciali.

6 Lezioni da ADE 2023

6 Lezioni da ADE 2023

Il 28° Amsterdam Dance Event 2023 (ADE) si è appena concluso nei Paesi Bassi, attirando centinaia di migliaia di persone provenienti dall’industria della musica elettronica. Artisti, etichette, manager e fan si sono riversati in città per 5 giorni pieni di conferenze, discorsi, incontri e feste. Ne abbiamo tratto 6 Lezioni che vogliamo condividere con voi.

Le 6 Lezioni da ADE 2023

Il potere della gentilezza

Quando sei nel mezzo di feste, riunioni e incontri nel backstage, a volte è difficile valutare chi è chi.

Non sai davvero mai chi potresti incontrare, e ho scoperto che essere gentile e avviare una conversazione salutando, ha portato ad alcuni incredibili incontri casuali. Un semplice gesto può significare tanto.

Inoltre, con un bacino così vasto di artisti di talento nel mondo oggi, l’autenticità può essere un faro per relazioni autentiche e potrebbe effettivamente essere l’elemento che ti distingue.

Un’era di autenticità

Forse è una questione personale, ma quando si incontrano DJ e produttori di incredibile talento e successo, si può essere tentati di provare a impressionare, ma rimanere fedeli a se stessi sembra creare connessioni più autentiche.

Nel corso di ADE, sembrava esserci un desiderio condiviso di autenticità e, in un mondo post-Covid che ancora fatica a trovare la sua nuova normalità, il desiderio di storie e connessioni autentiche era palpabile.

A sostegno di ciò, una conferenza che aveva ad oggetto Spotify ha dimostrato che gli ascoltatori a cui viene presentato Spotify Canvas, un’opportunità per condividere visivamente la propria autenticità, hanno il 145% in più di probabilità di condividere e il 20% in più di probabilità di inserire playlist.

Il futuro del coinvolgimento dei fan

Si è detto molto che costruire un rapporto diretto con i fan non è mai stato così cruciale. Questo è importante perché fare affidamento esclusivamente su piattaforme social governate da algoritmi irregolari è essenzialmente una scommessa enorme.

Ora, l’attenzione si è spostata verso il possesso autentico del proprio pubblico e la promozione di un coinvolgimento più profondo, piuttosto che limitarsi a inseguire grandi numeri.

Anche se lo sostengo da tempo, un approccio proattivo per mitigare questo problema è quello di curare gli elenchi di posta elettronica, assicurandoti di possedere veramente le connessioni con il tuo pubblico.

Tirocinio presso un Centro di Salute Mentale

C’era una franchezza rinfrescante riguardo al benessere emotivo e mentale. Sebbene sia stato esaltante far parte dell’ADE, è essenziale ascoltare noi stessi e fare delle pause quando necessario.

Molti artisti hanno parlato apertamente dell’importanza del riposo e della salute mentale, una tendenza che ho trovato davvero edificante ed emozionante. Esempi del passato come quelli di AVICII m o, più contemporanei, come Michael Bibi possono essere una evidente dimostrazione del concetto.

La prossima ondata di musica elettronica

A partire dal 2008, abbiamo visto molte tendenze: dalla Progressive House e Big Room alla Deep House e Tech House, con un’attuale rinascita di Techno e Trance.

Data la natura ciclica delle tendenze musicali, c’è sicuramente un rinnovato interesse per il breakbeat e i suoi sottogeneri, continuando la tendenza a rivisitare i suoni elettronici classici: Drum & Bass è già diffuso in Australia e in alcune parti d’Europa, e potrebbe continuare fino al 2024.

Deidicarsi allo stile di vita e al cibo

Con una nota più leggera, non dimenticarsi di esplorare Amsterdam: andare in bicicletta, mangiare il cibo. E’ davvero una parte incredibile del mondo e vale la pena visitarla al di fuori dell’ADE, ma perché non combinarli?

Felice produzione.

Mix in Cuffia vs Studio Monitors

Mix in Cuffia vs Studio Monitors

Mix in cuffia vs monitors da studio: quale è la soluzione migliore?

La maggior parte dei producers , ad un certo punto si trova a riflettere su questo dilemma, siano essi principianti o più esperti. Il nostro amico Giona Guidi, dj producer internazionale, ci ha aiutati nel provare a dare risposta a tale quesito

La risposta onesta è, purtroppo: dipende. Sia le cuffie che i monitor presentano alcune qualità e alcune limitazioni. Andiamo ad approfondire, quindi, i punti di forza e i limiti di ciascuna opzione, affinché possiate individuare la scelta migliore per voi.

Punti di forza degli altoparlanti

Gli altoparlanti producono onde sonore spostando le molecole d’aria nello spazio fisico della stanza. Ciò significa che comunicano il suono della musica, ma anche la sensazione fisica della musica. Sentire un kick solo con le orecchie è una sensazione differente rispetto alla percezione dell’impatto della cassa sul petto e la vibrazione delle gambe dei pantaloni. Sentire la potenza fisica e il modo in cui la fascia bassa riempie la stanza può aiutare a valutare come il nostro mix si tradurrà in un club,

Molte persone trovano più facile ottenere il giusto equilibrio musicale attraverso gli altoparlanti piuttosto che in cuffia. Ad esempio, quando impostiamo il livello delle voci in un mix utilizzando le cuffie, il bilanciamento potrebbe non tradursi bene nell’automobile o anche nell’impianto di casa. Ciò è dovuto, in parte, alla naturale interazione tra gli altoparlanti e lo spazio fisico di ascolto.

Differente percezione in cuffia rispetto ai monitor

Le onde sonore provenienti dagli altoparlanti vengono riflesse e assorbite dagli oggetti nella stanza e subiscono cambiamenti nei tempi e nella fase, fornendo al nostro cervello informazioni direzionali e di livello naturali e organiche. Ciascuna delle nostre orecchie sente l’altoparlante verso cui è puntato, oltre al suono della stanza.

Le cuffie, per contro, isolano le orecchie in modo che ogni orecchio senta solo l’uscita di un altoparlante e, quindi, solo un lato dell’immagine stereo. In altre parole, quando ascolti altoparlanti stereo, l’orecchio sinistro sente un po’ dell’altoparlante destro, ma con riflessioni, tempi e fase diversi da ciò che l’orecchio destro sente dall’altoparlante destro. Le cuffie non forniscono alcuna informazione sul canale destro all’orecchio sinistro e viceversa. Questo effetto acustico per cui ciascun orecchio sente un po’ delle informazioni dell’altoparlante opposto viene definito “crossfeed”.

Limitazioni degli altoparlanti

Lo svantaggio più evidente dell’utilizzo dei monitor è un problema pratico: gli altoparlanti sono rumorosi ed è necessario spingerli intorno agli 80 dB SPL per una rappresentazione bilanciata di tutte le frequenze. Se viviamo in un appartamento con pareti sottili, potremmo non essere in grado di far funzionare gli altoparlanti a un volume adeguato senza infastidire i vicini. Inoltre, la risposta in frequenza dei diffusori nella stanza è influenzata dall’acustica della stanza. La forma della stanza, i materiali di costruzione, il posizionamento dei diffusori e dei mobili e il grado di trattamento della stanza. Tutti questi fattori hanno un effetto sul suono dei diffusori, a differenza delle cuffie.

Mix in Cuffia vs Studio Monitors
Mix in Cuffia vs Studio Monitors

Questione (anche) di prezzo

La qualità e l’accuratezza di un monitor sono legate anche al suo costo. Sebbene cuffie professionali dal suono eccellente possano costare meno di poche centinaia di euro, la maggior parte degli altoparlanti sotto i 1000 euro (a coppia) non riprodurranno adeguatamente le basse frequenze. Molte aziende che producono diffusori economici dichiarano che i loro prodotti sono in grado di riprodurre questa gamma di frequenze ma, test alla mano, non lo fanno e ciò che sentiremo intorno ai 60 o 70 Hz potrebbe non essere sufficientemente accurato per il mixaggio o il mastering. Sebbene un software di correzione ambientale come Sound ID Reference di Sonarworks possa aiutare ad appiattire la risposta in frequenza di un sistema di altoparlanti, non può compensare l’incapacità di un piccolo altoparlante di produrre basse frequenze e non può risolvere i problemi di distorsione e fase che affliggono i monitor economici.

I punti di forza delle cuffie

Premessa: qui faremo riferimento a cuffie professionali e non ad auricolari o cuffie consumer. Il costo potrebbe non essere l’unico indicatore della qualità professionale rispetto a quella consumer, poiché molte cuffie consumer sono costosi accessori di moda. Le cuffie professionali dovrebbero fornire eccellenti qualità sonore e in genere non includono funzionalità come Bluetooth o circuiti di cancellazione del rumore.. Le cuffie professionali possono includere funzionalità come cuscinetti sostituibili, cavi intercambiabili e adattatori del jack.

Evidenziamo subito un vantaggio importante delle cuffie: possiamo ascoltarle a un volume ragionevole, senza disturbare i vicini. Le cuffie di tipo chiuso sono silenziose per le persone intorno a noi.

Gli ingegneri del mastering spesso indossano le cuffie per controllare il controllo qualità dei loro master finali perché possono rivelare dettagli non evidenti sugli altoparlanti. La chiarezza che deriva dalle cuffie aiuta a mettere sotto i riflettori i piccoli elementi del mix. come clic, pop e altre distorsioni di basso livello.

Sound ID Reference di SOnarworks, interfaccia grafica
Mix in Cuffia vs Studio Monitors

Se non abbiamo un ambiente trattato acusticamente

Se la vostra stanza ha problemi acustici, l’uso delle cuffie può mitigare tali problemi rimuovendo l’influenza della stanza sulla percezione dell’audio. Le cuffie possono anche bloccare le distrazioni come il ronzio degli elettrodomestici o il frastuono del traffico. Quando scegliamo un paio di cuffie, consideriamo che quelle aperte sul retro potrebbero non essere adatte per lavorare in un ambiente rumoroso come un bar. Le cuffie chiuse possono fornire, invece, un isolamento sufficiente per lavorare in modo produttivo in spiaggia.

Questo ci porta a considerazioni sulla mobilità: viaggio spesso e devo produrre risultati coerenti in ambienti non familiari? Usare le cuffie ci consente di lavorare con sicurezza su un sistema di monitoraggio familiare e relativamente coerente.

Le limitazioni delle cuffie

Abbiamo usato l’espressione relativamente coerente. Se portiamo le cuffie da uno studio professionale che utilizza un amplificatore per cuffie ad alta potenza a uno studio domestico con un amplificatore per cuffie sottodimensionato o un’uscita per cuffie dell’interfaccia audio, probabilmente noteremo che suonano in modo diverso.

Poiché le cuffie possono essere estremamente rivelatrici, spesso evidenziano differenze nella risposta in frequenza, nel rumore di fondo e nella precisione complessiva della catena di monitoraggio. Inoltre, ciascun modello di cuffie ha specifiche di potenza e impedenza diverse e ciascuna cuffia può reagire a uno specifico amplificatore o interfaccia per cuffie in modo profondamente diverso. La maggior parte delle cuffie funzionerà bene con qualsiasi interfaccia audio decente, mentre alcune danno il meglio di sé solo se alimentate da un amplificatore per cuffie dedicato.

Il corssfeed in cuffia

Poco sopra abbiamo detto che le cuffie suonano in modo indipendente in ciascun orecchio. Ciò significa che si perdono gli effetti naturali del crossfeed, influenzando la percezione e mescolando le decisioni relative al panning da sinistra a destra, ossia in larghezza, nonché alla profondità da davanti a dietro. Di conseguenza, il panning, l’ambiente e persino l’equalizzazione e il bilanciamento che suonano correttamente in cuffia potrebbero risultare meno coesi sugli altoparlanti. Effettuando il panning di una voce al centro su una coppia di altoparlanti, la voce viene messa di fronte, nel centro. In cuffia, la voce si trova tra le orecchie. Nessuno dei due è giusto o sbagliato, ma dovremo abituarci alla traduzione tra cuffie e altoparlanti.

In effetti, un mix effettuato solo con le cuffie potrebbe portare a decisioni discutibili durante il processo di mixaggio. Se usiamo softwares come Sound ID Reference, esso appiattirà la risposta in frequenza della maggior parte delle cuffie, mentre plugin come CanOpener forniranno un crossfeed che imita, sulle cuffie, la presentazione spaziale degli altoparlanti. Fortunatamente, l’acustica della stanza non influisce sulle cuffie, quindi è più facile correggere le anomalie di frequenza delle cuffie che correggere gli altoparlanti in una stanza. Sound ID Reference fornisce curve di correzione integrate per centinaia di modelli di cuffie, mentre ogni configurazione di altoparlanti richiede la creazione di una curva di correzione personalizzata.

La scelta delle cuffie è personale, forse anche più della scelta dei monitor. Ogni paio di cuffie fornirà un’esperienza diversa a causa delle dimensioni, della forma, dei materiali di costruzione e della filosofia di design. In definitiva dobbiamo considerare i limiti fisici delle cuffie. Le cuffie, semplicemente, non spingono l’aria come fanno gli altoparlanti, quindi non sentirai quella vibrazione fornito dagli altoparlanti, un aspetto che aiuta nella traduzione musicale.

Mix in Cuffia vs Studio Monitors: Conclusioni

Dal momento che non possiamo rispondere chiaramente quale sia la soluzione migliore, cosa si deve fare? Usare entrambi. Nel corso della vostra esperienza, troverete un processo che funziona meglio per voi. Forse lavorerete scegliendo le cuffie per motivi di chiarezza e poi finirete il mix sui monitor. Con il COVID, personalmente, ho invertito con successo il mio solito flusso di lavoro in circa 80% di cuffie, e il 20% di altoparlanti.

Potrebbero essere necessari alcuni tentativi ed errori, ma se elaborate una routine che utilizzi i punti di forza di entrambi i tipi di monitorggio, sarete meno inclini ai punti deboli di entrambi.

5 Motivi Per Cui Le Tue Produzioni Non Sono Competitive

Cosa ti impedisce di creare musica dal suono incredibile, in grado di rivaleggiare con le hit di successo? Esaminiamo, grazie al nostro amico Giona Guidi, dj producer internazionale, i 5 principali motivi per cui le tue produzioni non sono competitive.

Mixi con gli occhi, non con le orecchie

Tutti noi soffriamo di un leggero disturbo ossessivo compulsivo che ci porta ad usare gli occhi per prendere decisioni sulla produzione.

Sai di cosa parliamo, vero? Tipo, provare ad allineare perfettamente l’audio ad occhio, prendere decisioni sul volume basate su oscuri livelli di picco dei transienti o, peggio, usare i plugin semplicemente perché sono esteticamente accattivanti.

Non vogliamo dire di mixare alla cieca, ma devi imparare a dare priorità alle tue orecchie rispetto a qualsiasi cosa potresti vedere davanti ai tuoi occhi.

Gli ascoltatori non vedranno mai il tuo progetto codificato a colori sulla DAW e non vedranno mai come il tuo mix abbia così tanto senso all’interno di essa. Loro giudicheranno la tua musica esclusivamente in base a ciò che sentono, il che significa che usare le tue orecchie dovrebbe diventare la tua priorità numero uno.

5 Motivi Per Cui Le Tue Produzioni Non Sono Competitive

Pensi che al tuo mix manchi qualcosa

Quando confronti la tua musica con i produttori a cui ti ispiri, non ti senti mai alla loro altezza. Inizi a pensare “se il mio mix avesse solo quel dettaglio in più, suonerebbe benissimo”.

La verità, spesse volte, è che al tuo mix non manca quel singolo dettaglio, mancano molte cose. Questo è l’effetto del nostro cervello che cerca di risolvere e semplificare un problema molto complesso che coinvolge molte parti in movimento.

Cose come EQ, saturazione, compressione, sidechain, riverbero, guadagno, automazione, sound design, layering, scrittura di testi, ecc., non possono essere risolte da un singolo suggerimento, tecnica, strategia o concetto.

5 Motivi Per Cui Le Tue Produzioni Non Sono Competitive

Assumi ingegneri per mixare e masterizzare la tua musica

Il problema dell’esternalizzazione totale del mixaggio e del mastering non è solo il costo. È il fatto che si possa credere che qualcuno trasformerà un terribile mixdown in un disco d’oro.

Nella vita reale, non funziona così. Come artista, sei responsabile di portare a termine la produzione per il 90% del percorso. Solo allora dovresti prendere in considerazione l’assunzione di un ingegnere per aiutarti a “rifinire” il progetto.

Inoltre, lavorare con gli ingegneri significa che stai teoricamente mixando alla cieca, perché non sai come suonerà la tua traccia una volta che raggiunge la catena di mastering del tuo tecnico. Credimi, c’è un modo molto migliore per risolvere questo problema.

Suddividi in compartimenti ogni parte del processo

Hai mai notato che se hai un cattivo master, molto probabilmente è a causa di un pessimo mixdown? Ma spesso, un cattivo mixdown è dovuto a una pessima scrittura della traccia. E la pessima scrittura del brano di solito è causata da un pessimo arrangiamento.

In poche parole, il problema che stai affrontando è sempre causato da qualcosa che si è verificato prima. Allora qual è la soluzione?

Smetti di trattare le tue produzioni come se ogni parte del processo non influisse in modo drammatico sul resto della tua produzione. Non è necessario che sia così complicato. Esiste un modo molto più sostenibile di guardare la tua musica.

5 Motivi Per Cui Le Tue Produzioni Non Sono Competitive

Non utilizzi adeguatamente le reference tracks

Le nostre orecchie hanno bisogno di essere ricalibrate di tanto in tanto. Mixare senza una traccia di riferimento è un modo infallibile per perdersi davvero nel proprio progetto. Dall’affaticamento dell’orecchio alle terribili decisioni di mixaggio, fare a meno di una traccia di riferimento significa andare incontro ad inevitabili problemi.

E mi raccomando, assicurati di non fare mai una pausa (sì, è sarcasmo): questo sottopone le tue orecchie a una forma clinica di tortura ed è spesso il motivo principale per cui i mix mancano di gain e generalmente mancano di un senso di professionalità e fattibilità commerciale .

Se non utilizzi tracce di riferimento per la composizione, il mixaggio, l’arrangiamento ed il mastering, ti aspetta un brusco risveglio.

Usare le tracce di riferimento è più facile a dirsi che a farsi, ma una volta che sai come farlo correttamente, cambierà la tua musica per sempre.