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Mastering per le Piattaforme di Streaming

Mastering per le Piattaforme di Streaming - Copertina Articolo

Come va eseguito il mastering per le piattaforme di streaming? Le piattaforme di streaming come YouTube, Spotify e altre sono ormai stabilmente consolidate come il metodo preferito di consumo musicale per gli ascoltatori. È importante comprendere come queste piattaforme riproducano l’audio in modo da offrire ai nostri ascoltatori la migliore esperienza possibile. Ecco cosa dobbiamo sapere:

Mastering per le Piattaforme di Streaming - Differenze di LUFS tra piattaforme
Mastering per le Piattaforme di Streaming – Differenze di Loudness

Livellamento del Volume e Normalizzazione dell’Audio

Queste piattaforme abbassano i brani più alti per mantenere il livello di riproduzione uniforme su tutte le tracce riprodotte. Prima della normalizzazione dell’audio e delle piattaforme di streaming, la maggior parte della musica era compressa e limitata per ottenere il massimo volume possibile. Questo perché percepiamo i brani che suonano più forte come aventi acuti più chiari e una gamma bassa più piena rispetto ai brani più silenziosi. Tuttavia, spingere troppo il volume comporta la perdita di transienti, una riduzione della gamma dinamica e una distorsione che appanna il suono.

Mastering per le Piattaforme di Streaming - Limiting intensivo
Mastering per le Piattaforme di Streaming – Mastering Estremo

Quando un brano che suona forte e un’altro che , invece, suona più moderato vengono normalizzati allo stesso volume, il confronto dell’equilibrio tonale diventa imparziale. Questo significa che il brano che suona più forte non sembra più avere maggiore chiarezza o un basso più ricco. Ora che la normalizzazione del volume è l’impostazione predefinita per i servizi di streaming, i brani “super forte” hanno perso il loro vantaggio competitivo in termini di volume e i difetti causati da un eccessivo limitatore diventano evidenti quando confrontati con i loro corrispettivi più dinamici.

Mastering per le Piattaforme di Streaming - Vari LUFS delle Piattaforme

Come Rispondere a Questo Cambiamento?

Questa nuova realtà è una vittoria per la qualità e l’integrità della musica futura. Non è più necessario sacrificare il carattere del nostro audio rendendolo il più potente possibile per farsi notare. Invece, possiamo creare musica incisiva, dinamica ed emozionante senza preoccuparci che suoni debole accanto ad altri brani rilasciati sulla piattaforma in questione.

Tuttavia, molto probabilmente non vogliamo masterizzare la nostra musica ad un livello di riproduzione inferiore a quello previsto da queste piattaforme, altrimenti gli altri brani avranno un “vantaggio di volume” sulla nostra traccia. Vogliamo trovare il “punto di equilibrio perfetto” in cui i dettagli tecnici, come volume, picco, gamma dinamica e gamma di volume, siano giusti sia per la musica che per la piattaforma di streaming.

Mastering per le Piattaforme di Streaming - Esperienza di Ascolto

Creare un Mix Tecnicamente Eccellente

Ci sono due misurazioni fondamentali da tenere a mente quando creiamo un master per le piattaforme di streaming:

1. Volume

Prima di tutto, dobbiamo conoscere il volume della nostra musica, misurato in LUFS (unità di volume a scala completa). Le piattaforme di streaming riproducono la musica a circa -12LUFS a -16LUFS integrati, con la maggior parte dei brani che si aggira intorno a -14LUFS. Non è necessario creare un master esattamente a -14.0LUFS, ma teniamo presente che un brano che spinge -8LUFS verrà abbassato di almeno 4dB. Questa riduzione di 4dB è spazio vuoto che avremmo potuto usare per creare un mix più aperto, dinamico e incisivo, applicando una compressione e un limitatore meno aggressivi.

Cerchiamo di avere un range integrato tra -10LUFS e -16LUFS per ottenere un ottimo risultato dinamico. Questo è dove entra in gioco il nostro giudizio musicale, poiché ogni brano ha il suo livello ideale di volume. Mantenere il nostro volume a breve termine più silenzioso di -9LUFS è un ottimo modo per evitare artefatti e distorsioni introdotte da un limitatore.

Mastering per le Piattaforme di Streaming - Plugin Levels di Mastering The Mix
Mastering per le Piattaforme di Streaming – Levels di Mastering The Mix
2. Picco

La seconda misurazione fondamentale è il dBTP (decibel picco effettivo) della nostra musica. Le piattaforme di streaming prendono il nostro file Wav di alta qualità (grande) e lo trascodificano in un formato compresso per consentire una riproduzione più veloce sul dispositivo dell’ascoltatore. Questo trascodifica porta ad un aumento del picco. Se non abbiamo lasciato abbastanza spazio, ciò introdurrà distorsione digitale. Più suona forte il brano, più significativo è il clipping.

DIFFERENZA TRA MASTERING INTENSIVO A ZERO DB E INVECE LASCIANDO SPAZIO
Mastering per le Piattaforme di Streaming – Parametri Ideali

Conclusioni

Alcuni contestano il consiglio che abbiamo dato in questo articolo sostenendo che spingere il limitatore in modo estremo è un passo essenziale per ottenere il carattere del loro suono. Tuttavia, dal nostro modesto punto di vista, queste persone sono in torto. Grinta, carattere, aggressività, atmosfera, eccitazione e tutte le qualità attribuite ai “master potenti” possono essere raggiunte senza spingere il volume dell’intero master. Spesso, il “volume” nasconde il fatto che il loro brano manchi delle caratteristiche sopra elencate, portando a un suono deludente sulle piattaforme di streaming. Se desideriamo che il kick e il basso pulsino aggressivamente e che il suono oltre il limite abbia una certa clip o distorsione morbida, introduciamo tale elaborazione agendo sul singolo canale e controlliamola. Otterremo un suono più pulito che si traduce meglio quando raggiunge le orecchie del nostro ascoltatore.

Provate questo approccio con la vostra prossima produzione. Ogni piattaforma di streaming ha livelli di riproduzione leggermente diversi, ma sono tutti in una gamma simile. È possibile ottenere ottimi risultati su tutte le piattaforme di streaming utilizzando un solo bounce. La prossima volta che stiamo preparando il nostro master finale per le piattaforme di streaming, proviamo ad utilizzare un plugin come YouLean Loudness Meter (in offerta al momento in cui scriviamo) , iZotope Ozone, Mastercheck di Nugen Audio, oppure Levels di Mastering The Mix per aiutarci a ottenere queste specifiche tecniche per il nostro brano:

  • Picco intorno a -0,75dBTP a -2dBTP.
  • Volume attorno a -10LUFS a -16LUFS integrato (messo in media sull’intero brano).
  • Non più forte di -9LUFS a breve termine in nessun punto del brano durante la sezione “più carica” del nostro brano.

Potete verificare gratuitamente quanto interverranno le varie piattaforme di streaming sul vostro brano visitando questo LINK

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Spiegazione dei Canali Send/Return e dei BUS

Spiegazione dei Canali Send/Return e dei Canali BUS - Cover Articolo

Prima di immergerci nei dettagli della spiegazione dei Canali Send/Return e dei Canali BUS all’interno di una DAW (Digital Audio Workstation), vorremmo fare una breve premessa. È importante sottolineare che i concetti trattati in questo articolo potrebbero risultare scontati per gli utenti esperti nel campo della produzione musicale. Tuttavia, riconosciamo che il nostro pubblico comprende anche coloro che stanno iniziando il loro viaggio nel mondo della produzione musicale e potrebbero essere disorientati anche dalle cose più basilari. Pertanto, cercheremo di spiegare in modo chiaro e accessibile concetti che potrebbero essere già noti a molti professionisti del settore. Speriamo che questo articolo risulti utile sia ai principianti che agli esperti, offrendo informazioni utili e pratiche per migliorare le vostre abilità di produzione musicale. Senza ulteriori indugi, esploriamo insieme i Canali Send/Return e i Canali BUS e impariamo come utilizzarli efficacemente nella vostra DAW.

Se sei un produttore di musica e vuoi portare la tua arte ad un livello superiore, devi padroneggiare gli strumenti che la tua Digital Audio Workstation (DAW) ti mette a disposizione. Tra questi strumenti, ci sono i Canali Send/Return e i Canali BUS, che possono essere veri e propri alleati nella creazione di un mix professionale e coerente.

Canali Send/Return: Aggiungi Atmosfera al Tuo Mix

I Canali Send/Return sono uno strumento essenziale per l’applicazione di effetti come riverbero o delay a più tracce contemporaneamente. Questo metodo non solo risparmia risorse CPU, ma aiuta anche a mantenere un suono coeso in tutto il mix. Tenete presente che alcune DAW gestiscono in modo diverso il percorso del segnale in termini di Send/Return. A Titolo esemplificativo riportiamo i due schemi di Pro Tools e di Ableton Live. Ecco come utilizzarli efficacemente

Spiegazione dei Canali Send/Return - Percorso del Segnale Send/Return in PRO TOOLS
Spiegazione dei Canali Send/Return – Percorso del Segnale Send/Return in PRO TOOLS
Spiegazione dei Canali Send/Return - Percorso del Segnale Send/Return in Ableton Live
Spiegazione dei Canali Send/Return – Percorso del Segnale Send/Return in Ableton Live

Creare un Canale Send:

Nella tua DAW, crea una nuova traccia ausiliaria o di ritorno. Questa traccia ospiterà l’effetto o gli effetti che desideri applicare a più tracce.

Aggiungere un Effetto:

Sulla tua traccia send/return, aggiungi il plugin dell’effetto che desideri utilizzare (ad esempio, riverbero o delay). Imposta il mix dell’effetto al 100% wet perché mescolerai questo effetto con il segnale asciutto delle tracce originali.

Instradare le Tracce al Canale Send:

Per ogni traccia a cui desideri applicare l’effetto, individua il controllo di invio. Regola il livello di invio per controllare quanto del segnale della traccia viene inviato alla traccia dell’effetto. Livelli più alti inviano più segnale alla traccia dell’effetto.

Canali BUS: Raggruppa le Tue Tracce per un Mix Coerente

Spiegazione dei Canali Send/Return e dei Canali BUS - Slide Schema Base
Spiegazione dei Canali BUS – Percorso del Segnale BUS

I Canali BUS sono utilizzati per raggruppare tracce insieme in modo da poterle elaborare come un’unica entità. Questo è utile per mixare strumenti o voci che desideri fondere senza soluzione di continuità. Ecco come utilizzarli:

Creare un Canale BUS:

Raggruppa le tracce correlate instradandole verso una nuova traccia etichettata come bus o gruppo. Esempi di gruppi potrebbero includere tutte le tracce della batteria, tutte le tracce vocali o tutte le tracce synth.

Elaborare il BUS:

Applica effetti di elaborazione a questo canale bus come se fosse una singola traccia. L’elaborazione comune sui bus include EQ (per bilanciare il tono), compressione (per incollare gli elementi insieme) e saturazione (per calore).

Suggerimenti per l’Utilizzo Efficace

  • Compressione Parallela sulla Batteria: Utilizza un canale send per applicare una forte compressione a una copia delle tue tracce della batteria. Mescola questo con le tracce originali, non compresse, per aggiungere impatto senza sacrificare dinamica.
  • Effetti Condivisi: Instrada più tracce verso lo stesso invio di riverbero o delay per creare un senso di spazialità che lega il tuo mix insieme.
  • Regolazioni di Volume ed EQ: Utilizza i canali bus per regolare il volume complessivo e l’EQ delle tracce raggruppate. Questo aiuta a gestire il mix in modo più efficiente.
  • Automazione per Mix Dinamici: Automatizza i livelli di invio e i parametri di elaborazione del bus per aggiungere movimento e interesse nel tuo brano.

Considerazioni Finali

L’utilizzo efficace dei canali Send/Return e dei canali BUS consente di ottenere un mix più organizzato, dinamico e coerente. Pratica con diversi effetti e configurazioni di instradamento per trovare ciò che meglio si adatta al tuo stile di produzione. Ci auguriamo che questa spiegazione dei Canali Send/Return e dei Canali BUS possa esservi chiara ed utile.

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10 Consigli per Terminare le Tracce più Velocemente

10 Consigli per Terminare le Tracce più Velocemente Copertina Articolo

La produzione musicale è un processo che richiede tempo e impegno, ma ci sono modi per accelerare il processo e completare le tracce più rapidamente. Ecco i 10 consigli del nostro amico Giona Guidi, utili per aiutarti a terminare le tue tracce più velocemente e mantenere alta la qualità del tuo lavoro.

1. Puntare sulla Quantità oltre alla Qualità

Nel panorama attuale della produzione musicale, è diventato cruciale non concentrarsi solo sulla qualità, ma anche sulla quantità. Questo cambio di mentalità è motivato dalla necessità dei produttori musicali di rimanere competitivi in un mercato sempre più affollato. Produci più musica per avere maggiori possibilità di farti notare e ascoltare dal pubblico. Sperimenta con diversi generi musicali per ampliare il tuo repertorio e attrarre un pubblico più ampio. Ricorda però che la quantità non deve sacrificare la qualità; cerca sempre un equilibrio tra i due.

10 Consigli per Terminare le Tracce più Velocemente Reference Track
10 Consigli per Terminare le Tracce più Velocemente- Reference Track
2. Utilizzare Tracce di Riferimento

Le tracce di riferimento sono uno strumento prezioso per migliorare la qualità della tua musica. Utilizzale per capire meglio la direzione da prendere con la tua produzione e per garantire che rispetti gli standard che hai imposto. Le tracce di riferimento ti aiutano a ottenere un punto di partenza chiaro e possono ispirarti nel processo creativo.

3. Separare le Sessioni di Produzione e di Mixaggio

Dividere il processo di produzione musicale in sessioni separate per la produzione e il mixaggio può migliorare l’efficienza e la qualità del lavoro. Durante la produzione, concentra la tua energia sulla creazione di suoni e arrangiamenti, mentre durante il mixaggio, dedica il tempo a bilanciare e combinare i suoni in modo armonioso. Questo ti aiuterà a ottenere un risultato finale più professionale e coerente.

4. Non Temere di Sovraprodurre

Sovraprodurre può sembrare rischioso, ma può portare la tua produzione musicale a un livello superiore. Aggiungi strati aggiuntivi di suoni, effetti e texture per arricchire la tua traccia e renderla più interessante. Tuttavia, assicurati di non esagerare e mantenere sempre un equilibrio tra gli elementi della tua produzione.

5. Riutilizzare Suoni da Vecchi Progetti

Riciclare suoni da progetti precedenti può risparmiarti tempo e denaro, consentendoti di utilizzare risorse già testate e approvate. Esplora la tua libreria di progetti passati per trovare suoni che si adattino al tuo nuovo lavoro. In alternativa, cerca ispirazione nelle librerie di campioni disponibili online, come Hot Grooves, per trovare nuove idee e suoni unici.

10 Consigli per Terminare le Tracce più Velocemente DAW Templates
10 Consigli per Terminare le Tracce più Velocemente – DAW Templates
6. Creare Modelli di DAW

I modelli preimpostati nel tuo Digital Audio Workstation (DAW) possono accelerare notevolmente il processo di produzione. Personalizza modelli di produzione per adattarli alle tue esigenze specifiche e risparmia tempo su attività ripetitive. Sia che tu decida di creare i tuoi modelli o di utilizzarne di predefiniti, assicurati che siano di alta qualità e adatti al tuo stile musicale.

7. Applicare Automazioni sui Gruppi Bus

L’applicazione di automazioni sui gruppi bus può semplificare notevolmente il processo di mixaggio. Utilizza automazioni per regolare volume, panning ed effetti su più tracce contemporaneamente, risparmiando tempo e rendendo il mixaggio più efficiente. Assicurati di bilanciare correttamente le automazioni per mantenere coerenza e coesione nel suono finale della tua traccia.

8. Iniziare il Mixaggio dall’Alto

L’inizio del mixaggio con gli elementi ad alta frequenza della traccia può aiutarti a creare una base solida per il resto del processo. Inizia con strumenti come percussioni e strumenti ad alta frequenza e aggiungi gradualmente elementi a frequenza più bassa. Questo approccio ti permette di stabilire un equilibrio adeguato tra i diversi elementi della tua produzione e ottenere un suono più coeso e bilanciato.

9. Prendersi delle Pause

Non sottovalutare l’importanza di fare pause durante il processo di produzione musicale. Prenditi del tempo per rilassarti, ricaricarti e rigenerare la tua creatività. Le pause regolari ti permettono di mantenere una mentalità fresca e concentrata, evitando il burnout e migliorando la tua produttività complessiva.

10. Affrontare Ciascuna Parte Separatamente

Dividi il processo di produzione in fasi distinte, concentrandoti su ogni parte individualmente per garantire un risultato ottimale. Dalla creazione di groove, bassi e sintetizzatori alla progettazione di intro ed outro significativi, prenditi il tempo necessario per affrontare ogni aspetto della tua produzione con cura e attenzione ai dettagli. Questo approccio ti aiuterà a mantenere la chiarezza e la coerenza nella tua musica e a completare le tue tracce più velocemente e con maggiore efficacia.

Seguendo questi 10 consigli pratici, i produttori musicali possono ottimizzare il loro flusso di lavoro, accelerare il processo di produzione e ottenere risultati di alta qualità in meno tempo. Con un approccio strategico e una pianificazione oculata, è possibile portare le proprie produzioni musicali a nuovi livelli di successo e soddisfazione.

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Fasi della Produzione Musicale

Fasi della Produzione Musicale

Per i nuovi arrivati della produzione musicale, conoscere le fasi del processo è essenziale. Approfondiamolo.

La creazione di una canzone o di un brano strumentale solitamente inizia con un’ ispirazione. La produzione musicale può essere definita come il processo di conversione di tale scintilla in un brano musicale a tutti gli effetti e pronto per il mercato discografico. Ogni produttore e creativo avrà la propria visione unica di questo processo, ma esiste un quadro di base che generalmente tutti seguono.

Composizione

Fasi della produzione musicale piano roll
Fasi della Produzione Musicale – Composizione

La fase di composizione è quella in cui il creativo dà vita alle idee musicali. Questo è il momento in cui interviene chi scrive il testo delle canzoni, le melodie, le armonie e le idee ritmiche. Alcuni potrebbero preferire software che consentono di scrivere gli le partiture musicali al computer spartiti, come MuseScore, o addirittura la tradizionale carta., ma, la composizione può avvenire comodamente nella tua DAW.

Puoi sfruttare al massimo gli strumenti MIDI e i controller MIDI/tastiere per mappare i tuoi accordi una volta scelta una tonalità. Puoi anche utilizzare il MIDI per creare rapidamente una traccia strumentale in Ableton Live, Logic Pro, Cubase, o qualsiasi altra DAW, senza alcuna conoscenza o formazione preliminare sulla teoria musicale.

Il processo di composizione può essere descritto come il gettare le basi per la struttura e il contenuto melodico della tua canzone o traccia. Ciò include la scrittura delle progressioni di accordi che desideri in ciascuna sezione, ad es. intro, strofa, pre-ritornello, ritornello, bridge e outro nelle tracce liriche. Alla fine di questa fase, dovresti avere un’idea chiara degli elementi principali della tua traccia.

Questo passaggio non dovrebbe coinvolgere l’aspetto tecnico, consentendo solo modifiche minime. La creazione e la sperimentazione a flusso libero dovrebbero essere l’obiettivo delle prime fasi.

Arrangiamento

Fasi della Produzione Musicale – Arrangiamento

L’arrangiamento, come la composizione, mantiene l’attenzione sulle idee creative piuttosto che sulle pratiche tecniche. Questa fase sviluppa e arricchisce le basi compositive. In genere, l’arrangiamento implica la selezione degli strumenti per una determinata traccia.

Ai produttori potrebbe essere chiesto di realizzare un arrangiamento acustico o orchestrale. In tali casi, vengono selezionati strumenti acustici o orchestrali per completare il contenuto melodico, armonico e ritmico di tali opere.

Una pratica efficace in questa fase è iniziare a costruire strati, come percussioni, armonie e contromelodie utilizzando strumenti segnaposto. Ciò ti impedirà di perdere il flusso sfogliando librerie di suoni e preimpostazioni. Successivamente potrai perfezionare la scelta del suono.

L’arrangiamento implica anche lo sviluppo della struttura centrale della traccia e il tentativo di evitare disordine e più strumenti in competizione per lo stesso spazio. Nella tua DAW, questo potrebbe portarti a includere variazioni ogni 4, 8 o 16 battute e ad evolvere determinati motivi musicali.

Alla fine di questa fase, la maggior parte se non tutte le tue idee melodiche, armoniche e ritmiche dovrebbero essere a posto, pronte per la registrazione e la progettazione del suono.

Registrazione e progettazione del suono

Fasi della Produzione Musicale – Sound Design

Se hai strumenti dal vivo a tua disposizione, ora è il momento di iniziare a registrare. Ciò può includere anche il perfezionamento delle tue performance/registrazioni di strumenti digitali, come percussioni elettroniche e sintetizzatori.

La fase di progettazione del suono implica avvicinarsi il più possibile alla perfetta rappresentazione del suono che hai nella tua testa. Farlo, di solito, comporta alcuni dei seguenti processi:

  • Sostituzione degli strumenti segnaposto con selezioni di suoni migliorate.
  • Modifiche creative, come effettuare tagli vocali o invertire l’audio nella tua DAW
  • Strumenti di modifica della correzione del tempo e dell’intonazione, come l’utilizzo del Time Stretching e del Pitch.
  • Altre modifiche correttive, come la dissolvenza rapida di tutte le regioni audio per rimuovere pop e clic.
  • L’uso dell’automazione nella tua DAW per aggiungere dinamismo a vari parametri e caratteristiche.
  • L’uso di effetti come riverbero, ritardo, distorsione ed EQ.

Alla fine di questa fase, spesso è una buona idea prepararsi per il mixaggio. Ciò potrebbe portarti a eseguire la conversione delle tue clip MIDI in file audio o addirittura a convertire le tue tracce in stem.

Mixing

Fasi della Produzione Musicale – Automazione

L’obiettivo della fase di missaggio è creare un arrangiamento equilibrato in cui ogni componente musicale abbia il proprio spazio nel mix e i suoni siano definiti all’interno di quel mix di elementi musicali. Due degli strumenti principali per raggiungere questo obiettivo sono i fader del volume e i comandi del pan. Vale la pena sottolinearli perché rappresentano gli elementi fondamentali del mixaggio.

I quadranti di panning ti aiutano a determinare l’ampiezza del tuo mix mentre posizioni i suoni a destra e a sinistra nel campo stereo. I fader del volume sono fondamentali per impostare la profondità di ciascun elemento nel tuo mix; le parti ad alto volume vengono spinte in avanti e viceversa.

Allo stesso modo, gli EQ costituiscono uno strumento chiave di mixaggio in quanto possono alterare la profondità degli strumenti aggiungendo/rimuovendo frequenze e risolvendo problemi di mascheramento.

Altri plugin come compressori e riverberi vengono spesso utilizzati nella fase di missaggio per rafforzare ulteriormente suoni diversi e aggiungere un senso di coesione al mix complessivo. Prima di passare alla fase finale, ti consigliamo di risolvere tutti i problemi sonori rimanenti e raggiungere l’equilibrio desiderato tra profondità e larghezza in tutte le tue tracce.

Mastering

La fase di mastering è il passo finale nel viaggio di una traccia o di un album. Una delle sue caratteristiche principali è aumentare il volume di un mix (tramite plugin di limitazione) in modo che raggiunga gli standard commerciali. Tuttavia, ci sono una varietà di strumenti non così ovvi utilizzati durante il mastering per perfezionare ulteriormente un mix.

Ad esempio, gli EQ vengono utilizzati per correggere eventuali squilibri di frequenza e sottili aggiunte di saturazione e ampiezza stereo aumentano la qualità del suono. Allo stesso modo, i compressori vengono spesso utilizzati per aggiungere alcuni tocchi finali di colore e coesione sonora.

Sebbene la maggior parte dei produttori da home studio realizzino il mastering delle proprie tracce in autonomia, gli ingegneri specializzati nel mastering producono i migliori risultati. Al giorno d’oggi esiste anche l’alternativa di utilizzare strumenti di mixaggio e mastering basati sull’intelligenza artificiale, come iZotope Ozone. Al termine della fase di mastering, la tua traccia è pronta per la distribuzione sulle piattaforme che preferisci.

Conclusione

Che tu sia un produttore emergente, un artista o un appassionato di musica, è molto utile conoscere le fasi del processo produttivo di una traccia che preludono la sua pubblicazione. La composizione definisce le basi e i testi di una traccia, mentre l’arrangiamento definisce gli strumenti, sviluppando così un’impalcatura più complessa ed estesa.

La registrazione e il sound design conferiscono i colori e le trame unici dei tuoi elementi musicali in linea con ciò che avevi in mente. Quindi, la miscelazione assicura che tutto sia ben bilanciato e al posto giusto. Infine, il mastering fornisce la mano finale di vernice e porta la tua traccia agli standard commerciali.

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Ottimizzare il computer per le migliori prestazioni DAW

Ottimizzare il computer per le migliori prestazioni DAW

Come ottimizzare il tuo computer per le migliori prestazioni DAW

Ogni produttore desidera che il proprio sistema funzioni al meglio in modo da potersi concentrare sulla creazione di musica. Ecco come ottimizzare il tuo computer per le migliori prestazioni DAW e lasciare spazio alla parte creativa.

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Le principali workstation audio digitali (DAW) hanno decenni di sviluppo alle spalle. Ora sono estremamente performanti in tutte le aree della produzione audio. Oltre a questi progressi, anche i computer su cui li eseguiamo sono diventati esponenzialmente più potenti. Ma, ovviamente, tutti continuiamo a riscontrare problemi di prestazioni.

Le aspettative nei confronti dei nostri sistemi sono aumentate notevolmente. È molto frustrante imbattersi in colli di bottiglia durante un flusso creativo quando tutto ciò che vuoi fare è aggiungere la settima istanza di Serum, senza che il tuo sistema rallenti. Per fortuna, ci sono alcune impostazioni di base che puoi modificare e alcuni concetti comuni alla maggior parte delle DAW e dei computer che ti aiuteranno a evitare o risolvere eventuali problemi. Immergiamoci e scopriamo cosa sono.

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Il multithreading è la normalità

Le CPU della maggior parte dei computer utilizzano, da molti anni, più core e, all’interno di questi, il multi- o hyper-threading per massimizzare la potenza di calcolo, suddividendo attività complesse su più core. Tutti gli sviluppatori DAW hanno scritto le loro applicazioni per utilizzarlo, ed è generalmente attivato per impostazione predefinita.

In verità, ci sono alcuni motivi per cui dovresti ridurre il numero di core e thread a cui ha accesso la tua DAW – forse hai davvero bisogno di eseguire contemporaneamente un’app video assetata di energia – ma vale la pena visitarla le preferenze della tua DAW per verificare che stia utilizzando la quantità massima di hardware disponibile.

Nonostante i computer moderni siano molto più veloci di quelli di dieci anni fa, è comunque una buona regola eseguire solo le app di cui hai assolutamente bisogno, per garantire che ricevano il massimo delle risorse. Le app pesanti come i giochi o Final Cut Pro in esecuzione in background ridurranno la potenza e ruberanno RAM dalla tua DAW, quindi mantienila snella.

Logic Pro, come molte altre DAW, ti consente di specificare il numero di core o thread disponibili per il software

La latenza è ancora un problema

Per quanto potenti siano i computer, c’è ancora il problema della latenza da affrontare, ossia il divario tra cantare o suonare una chitarra e ascoltare il risultato attraverso gli altoparlanti o le cuffie. A ciò si aggiunge il fatto che presumiamo di poter lasciare un progetto aperto con centinaia di effetti di insert live in esecuzione e andare avanti, ma questo carica il sistema in un modo che ruba i cicli della CPU necessari per l’elaborazione a bassa latenza.

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Gli sviluppatori DAW hanno escogitato alcuni modi intelligenti per aggirare questo problema. In Cubase, ad esempio, Steinberg utilizza ASIO Guard, che pre-elabora tutti i canali e gli strumenti VST che non necessitano di essere calcolati in tempo reale, liberando risorse per utilizzare dimensioni di buffer più piccole. In Logic Pro, il multithreading può essere assegnato in modo diverso alle tracce live e in riproduzione, sempre per dare priorità alle impostazioni di latenza inferiore.

Se usi Ableton Live, probabilmente, avrai più problemi con questo aspetto. Questa DAW si porta dietro un codice vecchio che andrebbe riscritto dalle fondamenta e che limita parecchio ciò che è possibile fare per compensare la latenza. A quanto ci è dato sapere, anche il futuro Live 12 non ha risolto la questione e, il massimo che si possa fare è spuntare il Low Latency Mode dal menu.

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Le preferenze della DAW

Nelle preferenze di qualsiasi DAW, puoi impostare manualmente la dimensione del buffer; un minimo di 32 campioni per un’elaborazione super rapida (praticamente nessuna latenza ma un utilizzo elevato della CPU) e un massimo di 1.024 campioni per un carico di sistema inferiore ma una maggiore latenza. Quando registri dal vivo, soprattutto attraverso gli effetti plugin, vuoi che il segnale ti venga restituito con il minor ritardo possibile, e idealmente con nessuno, altrimenti l’esperienza sarà sconcertante. Ma ciò richiede una maggiore elaborazione da parte del tuo computer

In genere, passerai a un’impostazione del buffer più bassa durante il tracciamento e a un valore più alto durante il mixaggio, momento in cui l’input dal vivo ha meno priorità. Ricorda che puoi sempre bloccare le tracce per rimuovere temporaneamente il carico del processore dei loro strumenti ed effetti, liberando nuovamente energia per dimensioni del buffer più piccole. Le tracce audio che sono state congelate richiedono una potenza minima per la riproduzione poiché i loro effetti sono stati “incollati”. Puoi sbloccarli per apportare modifiche ai loro effetti, a quel punto inizieranno di nuovo a consumare più cicli di CPU.

Abituati a tenere in ordine

Quando si tratta di prestazioni generali della DAW, alcune cose non cambiano mai ed esistono regole generali per far funzionare le cose nel miglior modo possibile.

Prestare attenzione all’archiviazione e all’invio di file sui servizi cloud. Se sono nel cloud, puoi comunque utilizzarli e importarli, ma i tempi di caricamento saranno molto più lenti rispetto a quando si trovano direttamente sul tuo disco rigido. La memorizzazione di campioni e registrazioni critici per il progetto sull’unità di avvio o su un’unità SSD (a stato solido) collegata garantirà le migliori velocità di lettura e scrittura possibili e quindi le prestazioni complessive.

Mantenere le cartelle dei progetti correttamente organizzate, invece di avere file sparsi ovunque, ridurrà al minimo il rischio che dati cruciali vengano persi o cancellati per sbaglio.

Anche qualcosa di semplice come disconnettere le periferiche non necessarie può evitare potenziali problemi con i driver e l’utilizzo delle risorse, quindi stacca scanner, stampanti e controller di gioco.

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Il tuo computer è più intelligente di prima

Per molti anni, la prima tappa del tuo viaggio di ottimizzazione della DAW sarebbe stata immergerti nei sistemi macOS o Windows e iniziare a cambiare il modo in cui gestiscono le prestazioni della tua DAW. Nella maggior parte dei casi ciò non è più necessario e neppure possibile.

Sono ormai lontani i tempi in cui potevi scegliere manualmente l’allocazione della RAM sul Mac o dare priorità alle prestazioni di un’app rispetto ad altre. Ora il tuo sistema gestisce tutto in modo automatico e dinamico. Nel caso dei Mac della serie M di Apple, ciò si estende anche alla memoria unificata condivisa tra tutti i componenti del sistema.

Ma anche se utilizzi una macchina più nuova, e soprattutto se utilizzi una macchina più vecchia, i consigli che ti abbiamo dato restano validi. Un sistema snello e efficace che esegue solo ciò di cui hai bisogno e in cui i tuoi dati sono adeguatamente organizzati ti offrirà la migliore esperienza DAW possibile. Ovviamente se hai la possibilità di aggiornare componenti o aggiungere RAM (i Mac sono difficilmente aggiornabili dall’utente), allora questa è un’altra arma nel tuo arsenale. Ma anche se questo non è nei piani, c’è molto che puoi fare per garantire che il tuo sistema funzioni al meglio.